Cuando Paul Gauguin presentó Pobre pescador en 1896, confundió tanto a críticos como a amigos. Incluso su cercano defensor, Charles Morice, escribió que la pintura era "tan extraña que hay que verla muchas veces para entenderla." A diferencia de sus exuberantes escenas tahitianas, aquí Gauguin presentó una visión tan austera y despojada que algunos contemporáneos se preguntaron si había abandonado la belleza por completo. La obra se erige como un experimento solitario: Gauguin nunca volvió a pintar una composición similar, y su significado ha suscitado debate desde entonces. En el centro de Pobre pescador, un hombre delgado, casi espectral, se sienta solo en su canoa, de espaldas al espectador, empequeñecido por un mar plano e implacable.

Su hijo se aferra a él, mientras una mujer espera en la orilla, con una postura tensa de ansiedad. El paisaje está despojado de detalles, representado en amplios campos de color mate: mar, arena, cielo, casi abstractos en su severidad. El uso de Gauguin de un espacio aplanado y tonos poco naturales intensifica la sensación de aislamiento y lucha, resonando con la búsqueda de verdades internas del movimiento simbolista.

A diferencia de los compasivos campesinos de Jean-François Millet, el pescador de Gauguin es anónimo, su sufrimiento casi mítico, una imagen universal de pobreza y resistencia. Pobre pescador fue pintado durante la segunda estancia de Gauguin en Tahití, un período marcado por dificultades personales y riesgos artísticos. La pintura no fue encargada y recibió poco entusiasmo cuando se exhibió por primera vez en París; su atmósfera sombría y estilo radical desconcertaron a muchos. A lo largo de los años, ha pasado por varias colecciones privadas antes de encontrar un hogar permanente en el Museo Pushkin de Moscú.

Hoy en día, se reconoce como una obra clave del período tardío de Gauguin, destacándose de sus escenas tahitianas más decorativas y ofreciendo una meditación austera sobre la vulnerabilidad humana.