Quando Paul Gauguin revelou Pobre Pescador em 1896, confundiu tanto críticos quanto amigos. Até mesmo seu próximo apoiador, Charles Morice, escreveu que a pintura era "tão estranha que é preciso vê-la várias vezes para entender." Diferente de suas exuberantes cenas tahitianas, aqui Gauguin apresentou uma visão tão austera e despojada que alguns contemporâneos questionaram se ele havia abandonado a beleza por completo. A obra se destaca como um experimento solitário: Gauguin nunca mais pintou uma composição semelhante, e seu significado tem gerado debates desde então. No centro de Pobre Pescador, um homem magro, quase espectral, senta-se sozinho em sua canoa, de costas para o espectador, diminuído por um mar plano e implacável.

Seu filho se agarra a ele, enquanto uma mulher espera na costa, sua postura tensa de ansiedade. A paisagem é despojada de detalhes, representada em amplos campos de cor fosca: mar, areia, céu, quase abstratos em sua severidade. O uso de espaço achatado e tons não naturais por parte de Gauguin intensifica a sensação de isolamento e luta, ecoando a busca por verdades internas do movimento simbolista.

Ao contrário dos camponeses compassivos de Jean-François Millet, o pescador de Gauguin é anônimo, seu sofrimento quase mítico, uma imagem universal de pobreza e resistência. Pobre Pescador foi pintado durante a segunda estadia de Gauguin na Taiti, um período marcado por dificuldades pessoais e riscos artísticos. A pintura não foi encomendada e encontrou pouco entusiasmo quando foi exibida pela primeira vez em Paris; seu clima sombrio e estilo radical desconcertaram muitos. Ao longo dos anos, passou por várias coleções privadas antes de encontrar um lar permanente no Museu Pushkin em Moscou.

Hoje, é reconhecida como uma obra-chave do período tardio de Gauguin, destacando-se de suas cenas tahitianas mais decorativas e oferecendo uma meditação austera sobre a vulnerabilidade humana.