Ciò che colpisce per primo è il modo in cui Albert Gleizes frantuma la figura in piani netti e blocchi di colore audaci, come se la musica stessa fosse esplosa sulla tela. Il soggetto—identificato nel titolo come Igor Stravinsky—emerge solo gradualmente da un caleidoscopio di geometria: una testa inclinata nel pensiero, una mano sospesa sopra un foglio di musica, il fronte nitido di una giacca formale. La composizione pulsa di energia, le linee e i colori si agitano come note in una partitura moderna.

Gleizes non dipinge tanto un ritratto quanto lo orchestra, invitandoci a vedere il compositore non come un'immagine, ma come una forza viva, in fase di creazione. Quest'opera è stata dipinta nel 1914, al culmine del movimento Cubista, quando artisti come Gleizes stavano distruggendo le vecchie regole di rappresentazione. Il ritratto, un tempo dominio della somiglianza fedele, è diventato un palcoscenico per sperimentazione e astrazione. In questo dipinto, il pentagramma musicale e la chiave di violino sono inconfondibili, ancorando l'immagine nel mondo di Stravinsky, ma il resto è suggerimento e ritmo: l'arco giallo potrebbe essere una manica, il cuneo nero un reverbero in ombra.

Tali ritratti non erano fatti per i caminetti familiari; erano dichiarazioni di un nuovo modo di vedere, nate nel fermento della Parigi pre-bellica. Ora nella collezione del MoMA, questo dipinto si erge come un documento di quel momento inquieto, sfidandoci ancora a guardare di nuovo e ascoltare.