Poche pitture di Tiziano hanno suscitato tanto dibattito sulle loro origini quanto San Sebastiano, realizzato intorno al 1570. L'opera è uno dei diversi trattamenti del santo martire da parte di Tiziano, ma questa versione tardiva si distingue per la sua energia turbolenta e intensità emotiva, portando alcuni studiosi a chiedersi se sia stata dipinta per un mecenate privato o come meditazione personale negli ultimi anni dell'artista. La provenienza del dipinto è oscura, senza un chiaro registro della sua proprietà iniziale, e il suo medium rimane incerto, aggiungendo al mistero che lo circonda fin da quando è emerso in inventari secoli dopo la morte di Tiziano. Al centro dell'immagine c'è il momento dell'agonia di San Sebastiano, legato a un albero e trafitto da frecce, il suo corpo contorto dal dolore ma illuminato da una luce drammatica che cade sul suo torso.

A differenza delle rappresentazioni precedenti, più serene, come il San Sebastiano classicamente freddo di Andrea Mantegna, il santo di Tiziano è catturato in una tempesta di emozioni e pennellate. Il volto rivolto verso l'alto del santo, con la bocca aperta come se fosse in preghiera o in grido, e le urgentissime pennellate di colore attorno alle sue ferite, attirano lo sguardo verso la sofferenza e la resilienza del corpo umano. Le corde che legano le sue braccia e le frecce conficcate nella sua carne sono rese con una crudezza immediata, mentre lo sfondo scuro e vorticoso suggerisce sia un tumulto fisico che spirituale. La storia successiva del dipinto è tanto sfuggente quanto le sue origini.

È entrato nelle collezioni reali spagnole nel XVII secolo, probabilmente attraverso un acquisto degli Asburgo, e da allora è rimasto in Spagna, unendosi infine ai possedimenti del Museo del Prado. Gli studiosi hanno a lungo dibattuto se questo sia lo stesso San Sebastiano menzionato negli inventari veneziani del XVI secolo, o una versione completamente diversa. Creata nell'ultima decade di Tiziano, quando la sua tecnica divenne più sciolta ed esperimentale, quest'opera è spesso citata come un potente esempio del suo stile tardivo, dove i confini tra carne e pittura iniziano a sfumare, e il dramma del martirio è reso con un'immediatezza viscerale.