Nessun ritratto nella Firenze rinascimentale suscitò più fascinazione di quello di Simonetta Vespucci, la famosa bellezza morta giovane che divenne musa per poeti e pittori. Quando Sandro Botticelli la dipinse come Madonna in Simonetta Vespucci come Maria Lactans intorno al 1490, sfumò la linea tra icona sacra e adorazione secolare, un gesto che continua a intrigare gli studiosi. L'identità della modella è oggetto di dibattito, ma molti credono che l'uso ripetuto delle caratteristiche di Simonetta da parte di Botticelli segnali sia una devozione personale che l'ideale di grazia femminile dell'epoca.

Il soggetto del dipinto—Simonetta come la Vergine che allatta—era insolito, persino audace, per il suo tempo, fondendo il desiderio privato con la pietà pubblica. Al centro dell'immagine, la Madonna—i cui tratti sono indiscutibilmente modellati su Simonetta—offre il suo seno al bambino Cristo, incarnando il momento di cura materna che gli spettatori rinascimentali vedevano come umano e divino. La piccola mano del neonato si allunga verso la madre, mentre il suo sguardo si perde, sereno ma distante, invitando alla contemplazione sia del mistero dell'Incarnazione che della fragilità della vita. Le linee delicate di Botticelli, la dolce luce che cade sulla pelle e sul tessuto, e il sottile alone che circonda la testa di Simonetta rafforzano il suo doppio ruolo di donna terrena e figura sacra.

A differenza delle robuste e terrose Madonne di Leonardo da Vinci, la visione di Botticelli è quella di una bellezza idealizzata e di introspezione, enfatizzando la grazia rispetto al realismo. Le origini precise di Simonetta Vespucci come Maria Lactans rimangono incerte; il committente dell'opera non è registrato, sebbene probabilmente appartenesse a una casa privata fiorentina, data la sua scala intima e il suo soggetto. Nel corso dei secoli, l'attribuzione del dipinto è cambiata, con alcuni che dubitano della mano di Botticelli, ma la maggior parte ora concorda sul fatto che si inserisca nel suo stile tardivo, caratterizzato da una tavolozza più morbida e un tono meditativo. Il viaggio del dipinto nel tempo è meno documentato rispetto ad altri—diversamente dai grandiosi altari di Botticelli, sembra essere rimasto in collezioni private fino alla sua riscoperta nel XIX secolo.

Oggi, l'opera si erge come un testimone dei confini sfumati tra ritratto e icona, e della duratura fascinazione di Botticelli per il volto che ha tormentato l'immaginazione di Firenze.