Pochi momenti nella storia cristiana hanno ispirato tanta fascinazione artistica quanto il tradimento a Getsemani, e lo Studio per ‘Il bacio di Giuda’ di Gustave Van de Woestijne si distingue per la sua intensità psicologica. A differenza di molti artisti che hanno scelto di rappresentare il caos dell'arresto di Cristo, Van de Woestijne si è concentrato sull'istante della tradimento intimo: il momento preciso in cui Giuda identifica Gesù ai soldati con un bacio. Si ritiene che questo studio sia un'opera preparatoria per una composizione più grande, ora perduta, e la sua qualità incompiuta invita gli spettatori a entrare nel processo dell'artista, dove l'emozione grezza e le scelte compositive sono messe a nudo. Al centro, Giuda si inclina, la sua mano stringe la spalla di Cristo, i loro volti sono vicini: il gesto di Giuda è sia affettuoso che condannatorio.

L'oscurità circonda le figure, isolandole dal mondo, mentre il debole bagliore di una lanterna o di una torcia suggerisce la folla in avvicinamento. L'espressione di Cristo è rassegnata, la sua postura aperta, in contrasto con il linguaggio del corpo teso e furtivo di Giuda. Lo spettatore è attratto da questo scambio carico, percependo il peso del destino in ogni pennellata.

A differenza della grande teatralità del Bacio di Giuda di Giotto, l'approccio di Van de Woestijne è più silenzioso, più claustrofobico, enfatizzando il tradimento personale rispetto allo spettacolo pubblico. La data esatta e il mezzo di questo studio rimangono incerti, riflettendo le lacune più ampie nella documentazione che spesso circondano le opere preparatorie di Van de Woestijne. Conosciuto per il suo coinvolgimento nel movimento Simbolista nella Belgio dei primi del Novecento, Van de Woestijne ha frequentemente esplorato temi biblici attraverso una lente di realismo psicologico. Sebbene la versione finale de Il bacio di Giuda non sia stata rintracciata, questo studio sopravvive come un testimone del suo metodo: indagando, cercando e profondamente umano.

Oggi, è apprezzato non solo per la sua visione dell'artista, ma anche come una rara finestra sull'evoluzione di un capolavoro perduto.