Quando Anthony van Dyck dipinse La lapidazione di Santo Stefano nel 1624, aveva solo venticinque anni, ma era già considerato l'allievo più promettente di Peter Paul Rubens. Questo dipinto segna un momento cruciale nella sua carriera precoce, poiché era sul punto di lasciare Anversa per l'Italia, desideroso di studiare i grandi maestri del Rinascimento. Il soggetto—Stefano, il primo martire cristiano—era raramente rappresentato dai pittori fiamminghi dell'epoca, rendendo la scelta di van Dyck sia ambiziosa che audace.

Si dice che van Dyck abbia dipinto quest'opera per la chiesa gesuita di Anversa, riflettendo l'appello della Controriforma a immagini toccanti di fede e sacrificio. La scena cattura l'istante in cui Santo Stefano, inginocchiato in preghiera, viene colpito da pietre lanciate da una folla arrabbiata. Lo sguardo di Stefano è rivolto verso il cielo, il suo volto sereno nonostante la violenza, mentre i suoi carnefici sono colti in azione, con i muscoli tesi e espressioni feroci. Il raggio di luce che illumina il volto di Stefano segnala l'approvazione divina e riecheggia il momento in Atti 7:55 quando vede i cieli aperti.

La composizione di van Dyck dirige lo sguardo verso la tunica bianca di Stefano, simbolo di purezza, mentre il mantello rosso allude al martirio. Rispetto al trattamento del martirio da parte di Caravaggio, le figure di van Dyck sono meno brutali, concentrandosi invece sulla grazia spirituale e sul contrasto tra la crudeltà umana e il perdono santo. Sebbene la storia precisa dei primi anni di La lapidazione di Santo Stefano non sia chiara, lo stile e il soggetto del dipinto suggeriscono che sia stato creato per un contesto religioso ad Anversa. Nel corso dei secoli, è passato attraverso diverse collezioni, a volte attribuito a Rubens a causa della sua composizione dinamica e dei colori audaci.

Oggi, l'opera è riconosciuta come un esempio chiave del periodo iniziale di van Dyck, quando era ancora profondamente influenzato dal suo maestro ma stava già forgiando il proprio stile drammatico ed emotivo. Il dipinto si erge come una testimonianza della capacità di van Dyck di combinare chiarezza narrativa con profondità psicologica, qualità che avrebbero definito i suoi ritratti e opere religiose successive.