バレエダンサーが1895年に登場したとき、それはエドガー・ドガが生涯を通じてのパリオペラの舞台裏の世界への魅力に最後に戻ったことを示しています。この時点で、彼の視力は衰え、技術はより大胆で実験的になっていましたが、バレエの規律とドラマへの執着は衰えていませんでした。彼の初期の、より洗練された作品とは異なり、この作品は不安定な動きに満ちており、リハーサル中のダンサーたちの一瞬のジェスチャーを捉えています。正確な媒介は不明であり、絵画の即興性と神秘性を高めています。 ここでは、観客は舞台の脇に引き込まれ、若いダンサーたちの集まりがあり、ストレッチをしている者や考えにふけっている者がいます。切り取られた構図と独特の角度は、ドガが賞賛した日本の版画の影響を思い起こさせ、柔らかくぼやけたエッジは、視覚よりも記憶と触覚に対する芸術家の依存の高まりを示唆しています。ダンサーたちの白いチュチュは影のある背景の中で輝き、彼女たちの形は繊細でありながら力強く、壮観の背後にある厳しい労働をほのめかしています。ジャン＝ルイ・フォランがしばしばバレエの魅力を描写するのに対し、ドガは平凡さやその間の状態に焦点を当て、表面下の緊張と疲労を明らかにしています。 バレエダンサーの正確な出所は完全には記録されていませんが、この晩年の作品は、ドガの親密な世界の一部を所有したいと願うパリのコレクターによってしばしば取得されました。彼の多くのバレエシーンは、1917年の死まで彼のスタジオに留まっており、その後、現代のコレクションを形成する主要な販売を通じて分散されました。今日、このような絵画は印象派から現代美術への移行のマイルストーンとして称賛され、芸術家の技術的な大胆さと彼の主題に対する持続的な共感を反映しています。バレエダンサーは、ドガのキャリアの黄昏における不屈の革新の証として立っています。