클로드 모네가 1919년에 등나무를 바라보았을 때, 그는 단순히 꽃을 그리는 것이 아니었습니다. 그는 그의 유명한 수련 패널로 절정에 이르는 마지막의 거대한 사이클을 시작하고 있었습니다. 등나무 연구는 모네가 지베르니 정원의 일본 다리를 장식하는 얽히고 흐르는 꽃들을 탐구한 소규모 연구 그룹에 속합니다.

이 작품들은 새로운 집착을 나타냅니다: 물과 하늘뿐만 아니라 그가 사랑하는 연못 위에 걸쳐 있는 색의 변화하는 베일을 포착하는 것입니다. 등나무 연구의 정확한 수는 불확실하지만, 모네는 여러 번 이 모티프에 돌아왔고, 종종 몇 개월 또는 몇 년에 걸쳐 캔버스를 재작업했습니다. 이 연구에서 관객은 보라색과 파란색 등나무의 얽힘으로 끌려들어가고, 그 형태는 얼룩진 빛과 그림자 속에서 녹아듭니다. 모네의 붓놀림은 느슨하고 탐색적이며, 꽃잎과 잎은 뚜렷한 형태가 아닌 색의 깜박임으로 표현됩니다.

지평선도, 땅도 없이, 마치 늦봄의 퍼골라 아래에 서 있는 듯 꽃들에 의해 감싸이는 느낌만이 있습니다. 앙리 판탱-라투르와 같은 예술가들의 이전의 꽃 정물화와는 달리, 모네의 접근은 몰입적이고 분위기가 있으며, 식물의 정확성보다 감각을 우선시합니다. 이 그림은 한순간을 포착합니다: 만개한 등나무가 바람에 흔들리며, 햇빛이 나뭇잎 사이로 스며듭니다. 등나무 연구의 정확한 초기 역사는 완전히 문서화되어 있지 않지만, 거의 확실히 모네가 생의 마지막 수십 년을 보낸 지베르니에서 그려졌습니다.

이 연구들은 특정 후원자를 위해 그려진 것이 아니라, 모네의 웅장한 장식 계획을 준비하기 위한 끊임없는 실험의 일환으로 그려졌습니다. 수년 동안 여러 버전이 개인 소장품과 박물관 사이에 흩어져 가며, 때때로 날짜와 귀속에 대한 혼란을 초래하기도 했습니다. 오늘날 이 시리즈의 작품들은 모네의 경력 황혼기에 그의 작업 과정에 대한 통찰을 제공하는 것으로 소중히 여겨지며, 인상파를 추상으로 밀어내고 현대 미술의 다음 장을 위한 무대를 마련했습니다.