1887년, 빈센트 반 고흐가 유리잔을 든 자화상을 그릴 당시 그는 파리에 살고 있었고 색상과 기법을 끊임없이 실험하고 있었습니다. 그는 단 2년 만에 20점 이상의 자화상을 제작했습니다. 이 작품은 반 고흐가 유리잔을 들고 있는 모습을 묘사한 첫 번째 작품 중 하나로, 그의 파리 생활을 형성한 카페 문화와 사회 세계에 대한 미묘한 언급이 있기 때문에 두드러집니다.

이 그림은 역사학자들 사이에서 논란을 일으켰습니다. 유리잔은 친목의 상징인가, 반 고흐의 알코올과의 투쟁을 언급하는 것인가, 아니면 단순히 구성의 흥미를 위한 소품인가? 이 캔버스에 대해 언급한 반 고흐의 편지는 남아 있지 않아 그 의도는 해석에 맡겨져 있습니다. 그림에서 반 고흐는 관객을 직접적이고 탐구하는 시선으로 바라보며, 오른손으로는 호박색 액체가 반쯤 담긴 작은 유리잔을 부드럽게 감싸고 있습니다. 배경은 깊은 파란색과 녹색의 소용돌이로, 빠르고 표현적인 붓질로 그려져 그의 수염의 오렌지색과 볼의 붉은 따뜻함과 대조를 이루고 있습니다.

빛은 왼쪽에서 비추어 유리잔의 가장자리와 그의 눈의 반짝임을 포착하여 내성적이고 조용한 축하의 순간을 암시합니다. 그의 네덜란드 시절의 더 음울한 자화상들과는 달리, 이 작품은 인상파, 특히 에두아르 마네의 파리 생활 비공식 초상화에서 흡수한 더 밝은 팔레트와 느슨한 붓질로 맥박이 뛰고 있습니다. 유리잔 자체는 두껍고 거의 조각 같은 페인트로 표현되어 초점이 되며, 즐거움과 우울함 사이에서 해석에 열려 있는 상징이 됩니다. 유리잔을 든 자화상의 정확한 출처는 불확실합니다.

아마도 반 고흐가 그의 형 테오와 공유했던 몽마르트르 스튜디오에서 그려졌을 가능성이 높으며, 격렬한 예술적 교류의 시기였습니다. 그의 다른 자화상들과 달리, 이 작품은 그가 사망한 직후에 공공 소장품에 들어간 것이 아니라 수십 년 동안 개인 소장품으로 남아 있었고, 20세기 중반에야 경매에 등장했습니다. 현재 이 작품은 개인 소장품의 일부로, 공공 전시에서 좀처럼 볼 수 없어 반 고흐의 파리 시절을 드러내는 덜 알려진 창이 되고 있습니다.

미술 역사학자들은 이 작품이 예술가의 많은 자화상 중에서 어떤 위치를 차지하는지 논의하고 있으며, 그의 초기 작품의 소박한 사실주의와 그의 유산을 정의할 색채가 풍부하고 감정적으로 충만한 캔버스 사이의 다리 역할을 한다고 지적하고 있습니다.