1835년 절망의 동굴이 처음 전시되었을 때, 관람객들은 그 음울한 분위기와 전달하는 심리적 혼란에 충격을 받았습니다. 이는 조셉 말로드 윌리엄 터너가 유명해진 밝은 풍경화와는 현저한 대조를 이루었습니다. 당시 비평가들은 터너가 비유의 영역에 너무 깊이 들어갔는지에 대해 논쟁했으며, 일부는 그의 대담함을 칭찬하고 다른 일부는 그림의 '우울한 과잉'을 한탄했습니다.

작품의 제목만으로도 호기심을 자아냈습니다. 이는 에드먼드 스펜서의 요정 여왕의 장면을 언급하고 있으며, 이 문학적 출처는 그림으로 표현되는 경우가 드뭅니다. 터너는 피곤하고 패배한 붉은 십자 기사(騎士)가 절망의 동굴 입구에 서 있는 순간을 포착하기로 선택했습니다.

기사는 부서진 갑옷을 입고, 어둠 속으로 초대하는 듯한 그림자 속 인물인 절망 앞에서 주저하고 있습니다. 동굴 입구에는 사슬과 해골이 흩어져 있어, 잃어버린 희망과 굴복한 자들이 맞이할 운명의 상징입니다. 희미한 빛줄기가 어둠을 뚫고 나와 기사의 불확실한 얼굴을 비추며 구원의 가능성을 암시합니다.

헨리 퓨젤리의 더 극적인 절망과는 달리, 터너의 표현은 더 미묘합니다. 심리적 투쟁은 빛과 그림자의 상호작용, 억압적인 구성, 구원과 항복 사이의 모호한 공간에 암호화되어 있습니다. 절망의 동굴의 정확한 매체는 불확실합니다.

일부는 캔버스에 유화라고 제안하고, 다른 일부는 수채화에 고화로 강조한 것이라고 제안합니다. 이는 1830년대 터너의 실험적인 접근 방식을 증명합니다. 이 그림의 초기 역사에 대한 문서화는 잘 되어 있지 않지만, 19세기 대부분 동안 개인 소장품으로 남아 있었던 것으로 여겨지며, 20세기 초에야 공공 컬렉션에 나타났습니다.

오늘날 이 작품은 터너가 인간 심리의 어두운 측면을 탐구하는 데 있어 중요한 작품으로 인정받고 있으며, 그의 더 유명한 해양 풍경과 도시 풍경과는 구별됩니다. 갤러리에서의 존재는 예술가의 문학, 비유, 그리고 인간의 인내 한계에 대한 매력을 엿볼 수 있는 드문 기회를 제공합니다.