1835年に絶望の洞窟が初めて展示されたとき、訪問者はその陰鬱な雰囲気と心理的混乱を伝える感覚に衝撃を受けました。これはジョセフ・マロード・ウィリアム・ターナーが有名になった明るい風景画からの大きな逸脱でした。当時の批評家たちは、ターナーが寓話の領域にあまりにも踏み込んだのかどうかを議論し、一部は彼の大胆さを称賛し、他の一部は絵画の「陰鬱な過剰」を嘆きました。作品のタイトルだけでも好奇心をかき立てました。なぜなら、それはエドマンド・スペンサーの妖精の女王の場面を参照しており、この文学的な源は絵画で描かれることはほとんどありませんでした。 ターナーは、疲れ果て、敗北した赤十字騎士が絶望の洞窟の入り口に立つ瞬間を捉えることを選びました。騎士は傷んだ鎧を身にまとい、影の中にいる絶望そのものを前にためらっています。絶望は暗闇の中に招くように手を差し伸べています。洞窟の入り口には鎖や骸骨が散らばっており、失われた希望と屈服した者たちが待ち受ける運命の象徴です。薄明かりが陰鬱の中を貫き、騎士の不安な顔を照らし、救済の可能性をほのめかしています。ヘンリー・フューゼリのより劇的な絶望とは異なり、ターナーの扱いはより微妙です。心理的な闘争は光と影の相互作用、圧迫感のある構図、救済と降伏の間の曖昧な空間に埋め込まれています。 絶望の洞窟の正確な媒介は不明ですが、一部はキャンバスに油彩、他は水彩にガッシュを加えたものと提案しています。これは1830年代のターナーの実験的アプローチの証です。この絵画の初期の歴史はあまり文書化されていませんが、19世紀のほとんどの間、個人の手にあったと考えられ、20世紀初頭に公共のコレクションに現れるまで続きました。今日、この作品はターナーが人間の心理の暗い側面を探求する上での重要な作品として認識されており、彼のより有名な海景や都市の風景とは一線を画しています。ギャラリーでの存在は、文学、寓話、そして人間の耐久性の限界に対する芸術家の魅力を垣間見る貴重な機会を提供します。