티치아노가 1570년경에 회개하는 성 제롬을 그렸을 때, 그는 이미 80대였으며 긴 경력 동안 이 주제를 6번 이상 재방문했습니다. 이러한 반복은 단순한 습관이 아니었습니다. 각 버전은 새로운 후원자, 새로운 감정, 그리고 아마도 예술가 자신의 변화하는 죽음에 대한 감각에 반응했습니다.

이 후기 작품은 거칠고 거의 완성되지 않은 붓질로 두드러지며, 이는 티치아노의 마지막 시기의 특징으로, 동시대 사람들을 혼란스럽고 경탄하게 만들었습니다. 그림의 느슨한 처리와 감정적인 힘은 나중에 엘 그레코에서 루벤스에 이르는 예술가들에게 영감을 주어, 회개와 영적 투쟁의 묘사에 대한 기준으로서의 명성을 확립했습니다. 티치아노가 선택한 순간은 고독한 고통과 계시의 순간입니다. 4세기 학자이자 성경 번역자인 성 제롬은 황야에서 가슴을 드러내고, 회개의 표시로 가슴을 치기 위해 돌을 쥐고 있는 모습으로 그려집니다.

그의 시선은 위로 향하고 눈은 크게 뜨여, 용서나 신의 이해를 구하는 듯합니다. 그의 곁에 있는 해골은 죽음의 불가피성과 회개의 긴급성을 상기시킵니다. 전설적인 동반자인 사자는 근처에 웅크리고 있으며, 이는 성인이 자신의 야생 본성을 길들인 것과 기독교의 자비의 기적을 상징합니다.

레오나르도 다 빈치의 해부학적으로 더 정확한 황야의 성 제롬과 비교할 때, 티치아노의 제롬은 모든 것이 격렬함과 육체로 가득 차 있으며, 그의 몸은 열정적인 에너지로 표현되어 이야기의 경계를 넘칩니다. 이 버전의 정확한 의뢰는 불분명하지만, 아마도 티치아노의 후기 스타일을 보여주는 헌신적인 이미지를 찾는 개인적인 베네치아 수집가를 위해 의도되었을 것입니다. 수세기 동안 이 그림의 귀속은 심각하게 의심받지 않았지만, 그 느슨한 기법은 한때 일부 사람들이 그것이 정말로 완성되었는지 의문을 제기하게 만들었습니다. 오늘날 회개하는 성 제롬은 티치아노의 후기 시기를 강력하게 증명하는 작품으로 인식되며, 그가 유화와 종교적 이미지의 경계를 넓혔던 시기입니다.

그것은 프라도 미술관에 걸려 있으며, 그 불안한 붓질과 감정의 즉각성은 아티스트 자신의 시대와 마찬가지로 관객에게 도전하고 감동을 주고 있습니다.