1920년, 시력이 약해지고 제1차 세계대전의 여파로 세상이 혼란스러울 때, 클로드 모네는 그의 마지막 시리즈가 될 거대한 프로젝트인 수련에 착수했습니다. 이 중에서 수련 - 나무의 반영은 그 거대한 규모와 표현의 경계를 확장하는 방식으로 두드러집니다. 모네는 이 작품을 자신의 즐거움을 위해 그렸으며, 의뢰가 아닌 프랑스 국가에 기증할 몰입형 패널의 일부로 의도했습니다.

예술가 자신은 “이 물과 반사의 풍경은 집착이 되었다”고 썼으며, 이는 그의 개인적인 집착과 이 시리즈 뒤에 있는 감정적인 강도를 드러냅니다. 여기서 모네는 정원이 아니라 떠 있는 세계를 포착합니다: 그가 사랑하는 지베르니의 연못 표면, 그곳에서 버드나무와 하늘이 물결치는 색으로 녹아듭니다. 지평선도, 해안도 없이 나무 줄기의 반사와 흩어진 수련 꽃만이 있으며, 빠르고 가득 찬 붓질로 그려졌습니다. 관객의 시선은 캔버스를 가로지르며 나무를 암시하는 녹색과 파란색의 수직 줄무늬를 따라가고, 분홍색과 흰색의 수련이 구성의 중심을 잡아줍니다.

모네가 같은 연못을 더 묘사적으로 그린 이전 작품들과 달리, 이 작품은 명확한 윤곽선을 버리고 피에르-오귀스트 르누아르의 더 구상적인 수경 장면과 비교되도록 초대하며, 모네의 추상화로의 전환을 알립니다. 수련 - 나무의 반영이 창작된 후의 정확한 여정은 완전히 기록되지 않았으며, 이는 많은 후기 모네 작품에서 전형적입니다. 이러한 작품들은 종종 예술가의 작업실에 수년 동안 보관되었습니다. 이 패널 중 일부는 프랑스 국가에 기증되어 현재 오랑주리 미술관에 걸려 있고, 다른 것들은 전 세계의 개인 소장품이나 박물관에 들어갔습니다.

이 그림은 형제 작품들과 마찬가지로 모네의 빛과 반사에 대한 평생의 매력을 정점으로 나타내며, 인상파와 그 이후의 추상 예술 사이의 다리로 여겨집니다. 오늘날, 이 작품은 그의 시각이 흐려졌지만 야망은 흐려지지 않았던 시기에 그려진 모네의 끊임없는 실험의 증거로 남아 있습니다.