가터를 조이는 여성이 1879년에 처음 전시되었을 때, 비평가들은 그 직설성과 주제의 모호함을 즉시 주목했습니다. 많은 동시대 예술가들과는 달리, 에두아르 마네는 신화적이거나 역사적인 전제를 피하고, 현대 여성을 사적인 무방비 순간에 제시하기로 선택했습니다. 이 그림의 대담함은 파리 예술계에서 논란을 일으켰고, 일부는 마네의 부적절함을 비난했으며, 다른 이들은 그의 있는 그대로의 사실주의를 칭찬했습니다.

이 작품은 그가 1870년대 후반에 탐구한 여성의 친밀함을 주제로 한 여러 작품 중 하나로, 그의 유산의 중심 주제가 될 것입니다. 이 장면은 가터를 조정하는 동작 중에 포착된 젊은 여성을 보여주며, 그녀의 드레스는 올라가 있고 스타킹을 신은 다리가 드러나 있습니다. 그녀는 시선을 피하지 않고 관객을 직접 바라보며, 그 표정은 읽을 수 없습니다—호기심을 유도하면서도 설명은 유보하고 있습니다.

구성은 간결합니다: 간단한 실내, 흩어진 옷들, 그리고 밝은 피부와 어두운 직물 위에 비치는 빛의 놀이가 있습니다. 가터를 조이는 제스처는 취약성과 주체성을 모두 암시하며, 관찰자와 관찰되는 자의 경계를 흐리게 합니다. 앙그르의 대 오달리스크가 이국적인 매력 속에 관능성을 감추었던 반면, 마네는 파리 생활의 즉각성으로 관객에게 맞서며, 우화를 제거하고 현재에 집중합니다.

가터를 조이는 여성의 정확한 출처는 완전히 문서화되어 있지 않지만, 1883년 그의 죽음에 이르는 몇 년 동안 그려진 마네의 후기 스타일을 특징으로 합니다. 이 시기의 작품들은 종종 예술가의 작업실에 남아 있거나 파리 수집가의 손을 거쳐 공공 소장품에 들어갔습니다. 오늘날 이 그림은 마네가 학문적 규범에 도전하고 신흥 인상파 운동에 미친 영향의 중요한 예로 인식되고 있습니다.

현대 생활에 대한 그의 직설적인 묘사는 예술의 경계와 19세기 프랑스에서 여성의 역할 변화에 대한 논의를 계속해서 불러일으킵니다.