Quando o rei Filipe IV da Espanha encomendou um ciclo de pinturas para o Salão dos Reinos em 1634, escolheu os trabalhos de Hércules para simbolizar a força e a virtude reais. Entre as doze cenas, Francisco de Zurbarán foi encarregado de capturar o momento em que Hércules, o herói grego, enfrentou o gigante Antaeus. Esta encomenda não foi apenas uma celebração do mito, mas uma declaração política: Hércules, como símbolo de poder e justiça, deveria refletir o próprio rei.

A série tinha a intenção de impressionar embaixadores estrangeiros e cortesãos, projetando o poder da monarquia através da linguagem da lenda clássica. Em Hércules lutando com Antaeus, Zurbarán seleciona o instante da luta mortal: Hércules, com os músculos tensionados, levanta Antaeus bem acima da terra, quebrando a conexão mágica do gigante com sua mãe Gaia e esmagando-o em um abraço semelhante ao de um urso. A composição é austera e física, com os dois corpos entrelaçados em um nó violento, sua carne representada com o peso e a solidez que definem o estilo de Zurbarán. O chão sob os pés pendentes de Antaeus lembra ao espectador o truque do mito: Antaeus é invencível enquanto tocar a terra.

Ao contrário de Antonio del Pollaiuolo e seu mais decorativo Hércules e Antaeus, Zurbarán foca na força bruta e no momento da vitória, usando luz dramática para esculpir as figuras da escuridão e enfatizar o suor e o esforço do combate. Após sua criação, Hércules lutando com Antaeus permaneceu na coleção real, parte do grande esquema decorativo do Palácio do Buen Retiro. Com o tempo, o ciclo foi disperso, mas esta pintura sobreviveu às guerras e convulsões que viram muitos tesouros espanhóis perdidos ou danificados. Hoje, ela está pendurada no Museu do Prado, um testemunho da capacidade de Zurbarán de traduzir mito em carne e músculo.

A série de Hércules marca uma rara incursão em temas mitológicos para um artista mais conhecido por suas obras religiosas, e se ergue como um poderoso exemplo da contundência e gravidade da pintura espanhola barroca.