Quando Peter Paul Rubens pintou Ressurreição de Lázaro por volta de 1620, ele estava no auge de sua fama, e esse tema era muito procurado por colecionadores ricos e patronos religiosos. A história do retorno de Lázaro dos mortos era uma favorita na Europa da Contra-Reforma, incorporando a esperança de redenção e o poder milagroso da fé. O próprio Rubens voltou a esse tema várias vezes, e pelo menos duas versões de sua mão são conhecidas, cada uma com composições e humores distintos.

A energia dramática da pintura e sua composição cheia refletem o gosto da época por cenas religiosas teatrais e emocionalmente carregadas. No coração da cena, Rubens captura o instante em que Lázaro se move de seu túmulo, seu corpo ainda envolto em roupas de sepultura, enquanto Cristo está à beira, com o braço estendido em um gesto autoritário. Os rostos dos espectadores—alguns recuando em admiração, outros inclinando-se para frente com esperança—atraem o espectador para o drama. A luz entra de cima, iluminando Lázaro e Cristo, enquanto o resto das figuras fica em sombra, enfatizando a natureza sobrenatural do evento.

A fisicalidade das figuras, suas poses retorcidas e formas musculosas, lembram o próprio tratamento de Caravaggio dos milagres bíblicos, mas a versão de Rubens é mais cheia e dinâmica, repleta de movimento e cor. A história precisa do início desta Ressurreição de Lázaro em particular permanece incerta; os estudiosos acreditam que provavelmente foi encomendada para uma capela privada ou como parte de um conjunto de altar maior. Ao longo dos séculos, a pintura passou por várias coleções europeias proeminentes, admirada por sua ousada composição e intensidade emocional. Hoje, ela se ergue como um testemunho da capacidade de Rubens de misturar influências italianas com a narrativa vívida do Barroco flamengo.

Sua jornada do estúdio do artista em Antuérpia até sua casa atual reflete o apelo duradouro das obras religiosas de Rubens, mesmo enquanto continuam os debates sobre a atribuição de certas versões de oficina.