Lorsque Peter Paul Rubens a peint Résurrection de Lazare vers 1620, il était à l'apogée de sa renommée, et ce sujet était très recherché par des collectionneurs fortunés et des mécènes religieux. L'histoire du retour de Lazare d'entre les morts était un favori dans l'Europe de la Contre-Réforme, incarnant l'espoir de rédemption et le pouvoir miraculeux de la foi. Rubens lui-même est revenu à ce thème à plusieurs reprises, et au moins deux versions de sa main sont connues, chacune avec des compositions et des ambiances distinctes.

L'énergie dramatique de la peinture et sa composition chargée reflètent le goût de l'époque pour des scènes religieuses théâtrales et émotionnellement intenses. Au cœur de la scène, Rubens capture l'instant où Lazare émerge de son tombeau, son corps encore enveloppé dans des bandelettes, tandis que le Christ se tient au bord, le bras tendu dans un geste autoritaire. Les visages des spectateurs—certains reculent avec émerveillement, d'autres se penchent en avant avec espoir—attirent le spectateur dans le drame. La lumière pénètre par le haut, illuminant Lazare et le Christ, tandis que le reste des figures est plongé dans l'ombre, soulignant la nature surnaturelle de l'événement.

La physicalité des figures, leurs poses tordues et leurs formes musclées, rappellent le propre traitement des miracles bibliques par Caravaggio, mais la version de Rubens est plus chargée et dynamique, remplie de mouvement et de couleur. L'histoire précise du début de cette Résurrection de Lazare en particulier reste incertaine ; les chercheurs pensent qu'elle a probablement été commandée pour une chapelle privée ou comme partie d'un ensemble d'autel plus grand. Au fil des siècles, la peinture a traversé plusieurs collections européennes éminentes, admirée pour sa composition audacieuse et son intensité émotionnelle. Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de la capacité de Rubens à mélanger les influences italiennes avec la narration vive du Baroque flamand.

Son parcours depuis l'atelier de l'artiste à Anvers jusqu'à son emplacement actuel reflète l'attrait durable des œuvres religieuses de Rubens, même si les débats sur l'attribution de certaines versions d'atelier se poursuivent.