Als Anthony van Dyck 1620 Den betrunkenen Silenus, gestützt von zwei Bacchantinnen malte, war er erst einundzwanzig Jahre alt und zog bereits die Aufmerksamkeit von Sammlern in Antwerpen auf sich. Das Thema—ein mythisches Fest—war ein Favorit unter der Elite der Stadt, die sich an der witzigen und manchmal respektlosen Behandlung der antiken Götter erfreute. Dieses Gemälde sticht hervor, da es eines von van Dycks frühesten großangelegten Mythologien ist, das entstand, während er noch im Umfeld von Peter Paul Rubens, seinem berühmten Mentor, arbeitete.

Der Mut seiner Komposition und die Sinnlichkeit seiner Figuren kennzeichneten van Dyck als ein Wunderkind, das bereit war, aus dem imposanten Schatten Rubens hervorzutreten. Der Moment, den van Dyck wählte, ist der Höhepunkt von Silenus' Betrunkenheit: Der alte Satyrgott, Gefährte des Bacchus, ist so vom Wein überwältigt, dass er von zwei jugendlichen Bacchantinnen aufrecht gehalten werden muss. Silenus' schlaffer Körper, seine geröteten Wangen und seine rollenden Augen signalisieren seine Trunkenheit, während der feste Griff und die amüsierten Gesichtsausdrücke der Bacchantinnen sowohl Fürsorge als auch Spott andeuten. Ein mit Weinreben gekrönter Kopf und die Anwesenheit eines Weinglases deuten auf bacchische Riten hin, und das warme, goldene Licht taucht die Figuren in einen sinnlichen Glanz.

Im Gegensatz zu Tizians chaotischerem Das Bacchanal der Andrianer organisiert van Dyck seine Feiernden in einer engen, fast theatralischen Gruppe und lenkt den Blick des Betrachters auf den Kontrast zwischen Silenus' Gebrechlichkeit und der Vitalität seiner Begleiter. Die genaue frühe Geschichte dieses Gemäldes ist nicht vollständig dokumentiert, aber Werke dieser Art wurden oft von wohlhabenden flämischen Mäzenen in Auftrag gegeben, die ihren Geschmack für klassisches Wissen und zeitgenössische Kunst zur Schau stellen wollten. Im Laufe der Jahrhunderte wurde Den betrunkenen Silenus, gestützt von zwei Bacchantinnen zugeschrieben, falsch zugeordnet und wiederentdeckt, was die wechselnden Schicksale von van Dycks Ruf widerspiegelt. Heute wird es als ein zentrales Werk seiner prägenden Jahre anerkannt, das den exuberanten Stil des flämischen Barock mit der raffinierteren Eleganz verbindet, die seine späteren englischen Porträts prägen würde.

Das Überleben des Gemäldes und die anhaltende Bewunderung zeugen von van Dycks frühem Genie und der anhaltenden Anziehungskraft des Myths, der mit Witz und Menschlichkeit neu erzählt wird.