Das erste, was ins Auge fällt bei Infantin (Spanierin), ist das maskenartige Gesicht, sowohl königlich als auch undurchdringlich, das in einem Meer aus wirbelndem Blau und Grün treibt. Der Blick der Dargestellten ist unerschütterlich, fast herausfordernd, ihre Züge sind in kräftigen, entschlossenen Strichen aus Ocker, Zinnoberrot und Türkis gemeißelt. Die Pinselstriche sind dick und unruhig, als ob die Farbe selbst lebendig wäre, die Köpfe in einem Farbhalo umkreist, das auf eine Krone oder ein Kopfstück hindeutet.

Jeder Farbfleck hat seine eigene Energie: die roten und rosa Formen nahe den Ohren könnten Blumen sein oder vielleicht Echos spanischer Kostüme, aber sie funktionieren auch als reine Farbe und lenken die Aufmerksamkeit auf den wachen Ausdruck der Dargestellten. Die Palette ist sowohl warm als auch kühl, die Konturen in Schwarz umrissen, was das Gefühl von Drama und Präsenz verstärkt. Um 1912-1913 gemalt, gehört dieses Werk zu einem Moment, in dem Alexej von Jawlensky die expressive Kraft des menschlichen Gesichts erkundete und Details abbaute, um etwas Elementares zu erreichen. Zu dieser Zeit stellten Künstler in ganz Europa das Porträt neu dar, entfernten sich von der Ähnlichkeit und wandten sich dem inneren Leben zu; Jawlenskys Zeitgenossen in der Expressionistischen Bewegung, wie Matisse und Kandinsky, fühlten sich ebenfalls zu kräftigen Farben und vereinfachten Formen hingezogen, aber Jawlenskys Gesichter sind besonders ikonisch, jedes eine Art gemalte Maske.

Werke wie dieses wurden selten für private Kunden geschaffen; vielmehr waren sie Aussagen für die neuen avantgardistischen Ausstellungen und Sammler, die hungrig nach dem Schock des Neuen waren. Die genaue Geschichte dieses Gemäldes ist fragmentarisch – dokumentiert in Auktionen in London und New York, hat es als lebendiges Relikt einer unruhigen, suchenden Ära die Hände gewechselt. Die Energie seiner Pinselstriche und das Geheimnis seines Blicks laden die Betrachter ein, zu verweilen und nach der Person hinter der Farbe zu suchen.