Lo primero que llama la atención en Infanta (española) es el rostro en forma de máscara, tanto regio como impenetrable, a la deriva en un mar de azules y verdes que giran. La mirada de la modelo es inquebrantable, casi desafiante, con rasgos esculpidos en bold y decisivos trazos de ocre, bermellón y turquesa. La pincelada es gruesa e inquieta, como si la pintura misma estuviera viva, rodeando la cabeza en un halo de color que insinúa una corona o un tocado.

Cada mancha de pigmento tiene su propia energía: las formas rojas y rosas cerca de las orejas podrían ser flores, o quizás ecos del traje español, pero también funcionan como color puro, atrayendo la atención hacia la expresión alerta de la modelo. La paleta es a la vez cálida y fría, con los contornos delineados en negro, intensificando la sensación de drama y presencia. Pintada alrededor de 1912-1913, esta obra pertenece a un momento en el que Alexej von Jawlensky exploraba el poder expresivo del rostro humano, despojando detalles para alcanzar algo elemental. En esta época, artistas de toda Europa estaban reimaginando el retrato, alejándose de la semejanza y acercándose a la vida interior; los contemporáneos de Jawlensky en el movimiento Expresionista, como Matisse y Kandinsky, también se sentían atraídos por el color audaz y la forma simplificada, pero los rostros de Jawlensky son especialmente icónicos, cada uno una especie de máscara pintada.

Obras como esta rara vez se hacían para clientes privados; más bien, eran declaraciones para las nuevas exposiciones de vanguardia y coleccionistas hambrientos del impacto de lo nuevo. La historia precisa de esta pintura es fragmentaria; registrada en ventas de subastas en Londres y Nueva York, ha pasado por manos como un vívido relicario de una era inquieta y en búsqueda. La energía de su pincelada y el misterio de su mirada invitan a los espectadores a quedarse, buscando a la persona detrás de la pintura.