La prima cosa che colpisce l'occhio in Infanta (spagnola) è il volto a forma di maschera, sia regale che impenetrabile, alla deriva in un mare di blu e verde vorticosi. Lo sguardo della modella è fermo, quasi provocatorio, i suoi tratti scolpiti in audaci e decisivi colpi di ocra, vermiglio e turchese. La pennellata è spessa e inquieta, come se la vernice stessa fosse viva, circondando la testa in un alone di colore che suggerisce una corona o un copricapo.

Ogni macchia di pigmento ha la propria energia: le forme rosse e rosa vicino alle orecchie potrebbero essere fiori, o forse echi di costumi spagnoli, ma funzionano anche come colore puro, attirando l'attenzione sull'espressione vigile della modella. La palette è sia calda che fredda, i contorni delineati in nero, aumentando il senso di dramma e presenza. Dipinta intorno al 1912-1913, quest'opera appartiene a un momento in cui Alexej von Jawlensky stava esplorando il potere espressivo del volto umano, spogliando i dettagli per raggiungere qualcosa di elementare. In quel periodo, artisti in tutta Europa stavano reimmaginando il ritratto, allontanandosi dalla somiglianza e avvicinandosi alla vita interiore; i contemporanei di Jawlensky nel movimento Espressionista, come Matisse e Kandinsky, erano anch'essi attratti da colori audaci e forme semplificate, ma i volti di Jawlensky sono particolarmente iconici, ognuno una sorta di maschera dipinta.

Opere come questa raramente venivano realizzate per clienti privati; piuttosto, erano dichiarazioni per le nuove esposizioni d'avanguardia e collezionisti affamati dello shock del nuovo. La storia precisa di questo dipinto è frammentaria; registrata in vendite all'asta a Londra e New York, è passata di mano in mano come un vivido reperto di un'era inquieta e in cerca. L'energia della sua pennellata e il mistero del suo sguardo invitano gli spettatori a soffermarsi, cercando la persona dietro la vernice.