Als Anthony van Dyck Jupiter als Satyr von Antiope 1620 malte, war er gerade einmal einundzwanzig Jahre alt und sorgte bereits in Antwerpen für Aufsehen. Das Thema—ein Gott in Verkleidung, der einen Sterblichen verführt—wurde in den katholischen Spanischen Niederlanden als gewagt, ja sogar skandalös angesehen, wo solche mythologischen Szenen oft die Grenzen der Anständigkeit überschritten. Van Dycks Interpretation des Mythos gehört zu den wenigen aus dieser Zeit, und es ist bemerkenswert, dass der junge Künstler ein Thema wählte, das so eng mit seinem Mentor, Peter Paul Rubens, verbunden ist, der nur wenige Jahre zuvor sein eigenes Jupiter und Antiope gemalt hatte.

Die frühe Provenienz des Gemäldes ist ungewiss, aber es ist wahrscheinlich, dass es für einen privaten Sammler bestimmt war, angesichts seines sinnlichen Inhalts. Der Mythos entfaltet sich im Moment der Verführung: Jupiter, der König der Götter, hat sich in einen Satyr verwandelt, um sich der schlafenden Antiope, der Prinzessin von Theben, zu nähern. Van Dyck erfasst den Moment kurz vor dem Erwachen, mit Antiope, die in einem verletzlichen Schlaf liegt, ihr Körper von einem Lichtstrahl erleuchtet, der den Blick des Betrachters anzieht. Jupiter, dessen Züge bestialisch und entschlossen sind, beugt sich über sie, eine Hand strebt nach ihrer entblößten Schulter.

Der Kontrast zwischen Antiope's weicher, leuchtender Haut und Jupiters schattierter, tierischer Gestalt verstärkt das Gefühl von Gefahr und verbotener Begierde. Im Gegensatz zu Tizians berühmter Venus von Urbino, die die Sinnlichkeit offen feiert, ist Van Dycks Komposition von Spannung und Mehrdeutigkeit durchzogen—Antiope ist sich noch nicht bewusst, und der Ausgang ist ungewiss. Als Objekt spiegelt Jupiter als Satyr von Antiope Van Dycks frühes Engagement mit mythologischen Themen und seine Assimilation der venezianischen Tradition wider, insbesondere den Einsatz von Farbe und dramatischer Beleuchtung. Der Verbleib des Gemäldes während eines Großteils seiner Geschichte bleibt unklar; es durchlief mehrere private Sammlungen, bevor es im 20.

Jahrhundert ins öffentliche Auge trat. Die Zuschreibung war nie ernsthaft in Zweifel gezogen worden, da Van Dycks charakteristische Pinselstriche und psychologische Intensität unverkennbar sind. Heute wird das Werk als ein bedeutendes Beispiel für die Ambitionen des jungen Künstlers und seinen Dialog mit Rubens anerkannt, das die mythologischen Leinwände vorausahnt, die er später in England und Italien schaffen würde.