Lorsque Anthony van Dyck a peint Jupiter en Satyr par Antiope en 1620, il n'avait à peine vingt et un ans et faisait déjà sensation à Anvers. Le sujet—un dieu déguisé qui s'attaque à un mortel—était considéré comme audacieux, voire scandaleux, dans les Pays-Bas espagnols catholiques, où de telles scènes mythologiques frôlaient souvent les limites de la décence. L'interprétation de Van Dyck du mythe est l'une des rares de cette période, et il est remarquable que le jeune artiste ait choisi un thème si étroitement associé à son mentor, Peter Paul Rubens, qui avait peint son propre Jupiter et Antiope quelques années plus tôt.

La provenance précoce de la peinture est incertaine, mais il est probable qu'elle ait été destinée à un collectionneur privé, compte tenu de son sujet sensuel. Le mythe se déroule au moment de la séduction : Jupiter, roi des dieux, s'est transformé en satyre pour approcher la dormant Antiope, princesse de Thèbes. Van Dyck capture l'instant juste avant le réveil, avec Antiope allongée dans un sommeil vulnérable, son corps illuminé par un rayon de lumière qui attire le regard du spectateur. Jupiter, avec des traits bestiaux et déterminés, se penche sur elle, une main tendue vers son épaule exposée.

Le contraste entre la chair douce et lumineuse d'Antiope et la forme ombragée et animale de Jupiter intensifie le sentiment de danger et de désir interdit. Contrairement à la célèbre Vénus d'Urbino de Titien, qui célèbre ouvertement la sensualité, la composition de Van Dyck est chargée de tension et d'ambiguïté—Antiope n'est pas encore consciente, et l'issue est incertaine. En tant qu'objet, Jupiter en Satyr par Antiope reflète l'engagement précoce de Van Dyck avec des thèmes mythologiques et son assimilation de la tradition vénitienne, en particulier l'utilisation de la couleur et de l'éclairage dramatique. Les lieux de la peinture pendant une grande partie de son histoire demeurent flous ; elle a passé par plusieurs collections privées avant d'entrer dans l'œil du public au XXe siècle.

L'attribution n'a jamais été sérieusement remise en question, car le style de pinceau distinctif de Van Dyck et son intensité psychologique sont indéniables. Aujourd'hui, l'œuvre est reconnue comme un exemple significatif de l'ambition du jeune artiste et de son dialogue avec Rubens, annonçant les toiles mythologiques qu'il produirait plus tard en Angleterre et en Italie.