Als Paul Gauguin Mahana Maà (II) 1892 malte, war er tief in seiner ersten tahitianischen Periode, einer Zeit, die sowohl von Faszination als auch von Frustration über die Realitäten der Insel geprägt war. Was dieses Werk besonders bemerkenswert macht, ist, dass es eine von zwei Versionen ist: die erste, jetzt im Art Institute of Chicago, und diese zweite, die die Komposition mit subtilen, aber bedeutenden Unterschieden neu gestaltet. Gauguin selbst schrieb an seinen Freund Daniel de Monfreid über seine tahitianischen Gemälde und beschrieb sie als "eine Rückkehr zum Primitiven", eine Phrase, die sein Erbe sowohl definieren als auch verfolgen würde.

Die Existenz mehrerer Versionen zeigt, wie der Künstler mit seiner Vision des Paradieses kämpfte, nie ganz zufrieden mit einem einzigen Bild. Die Szene entfaltet sich am Ende des Tages, als eine Gruppe tahitianischer Frauen sich auf dem Gras versammelt, ihre Körper in einem friesartigen Streifen über die Leinwand angeordnet. In der Mitte sitzt eine Frau aufrecht, ihre Haltung formell, während um sie herum andere sich zurücklehnen oder knien, verloren in privaten Gedanken. Der Titel, der "Tag des Gottes" bedeutet, deutet auf ein Ritual hin, aber die Stimmung des Gemäldes ist mehrdeutig: Trauern sie, feiern sie oder ruhen sie einfach? Die lebhaften Farben und die flachen Formen erinnern an Gauguins Bewunderung für japanische Drucke, während die rhythmische Anordnung der Figuren an die dekorativen Paneele von Puvis de Chavannes erinnert.

Im Gegensatz zu akademischen Darstellungen des Exotischen ist Gauguins Tahiti sowohl Traum als auch Dokument, gefüllt mit erfundenem Symbolismus und realer Beobachtung. Die genaue frühe Geschichte von Mahana Maà (II) ist weniger gut dokumentiert als einige von Gauguins anderen Werken, aber es ist bekannt, dass viele seiner tahitianischen Gemälde zu seinen Lebzeiten Schwierigkeiten hatten, Käufer zu finden. Während die erste Version bald in eine öffentliche Sammlung eintrat, blieb diese zweite jahrzehntelang in Privatbesitz und wechselte zwischen mehreren Pariser Händlern, bevor sie in ein europäisches Museum gelangte. Heute steht sie als Zeugnis von Gauguins rastloser Suche nach Bedeutung in den Südsee, gemalt in einer Zeit, als er sowohl isoliert als auch kreativ entfesselt war.

Der Platz des Gemäldes in seiner Karriere markiert einen Wendepunkt, als er den Naturalismus zugunsten von kräftigen Farben und mythischen Erzählungen aufgab - ein Weg, der Generationen moderner Künstler beeinflussen würde.