Cuando Paul Gauguin pintó Mahana Maà (II) en 1892, estaba inmerso en su primer período tahitiano, una época marcada tanto por la fascinación como por la frustración con las realidades de la isla. Lo que hace que esta obra sea especialmente notable es que es una de las dos versiones: la primera, ahora en el Art Institute de Chicago, y esta segunda, que reinterpreta la composición con diferencias sutiles pero significativas. El propio Gauguin escribió a su amigo Daniel de Monfreid sobre sus pinturas tahitianas, describiéndolas como “un regreso a lo primitivo”, una frase que definiría y perseguiría su legado.

La existencia de múltiples versiones revela cómo el artista luchó con su visión del paraíso, nunca del todo satisfecho con una sola imagen. La escena se desarrolla al final del día, mientras un grupo de mujeres tahitianas se reúne sobre la hierba, sus cuerpos dispuestos en una banda similar a un friso a través del lienzo. En el centro, una mujer se sienta erguida, con una postura formal, mientras que a su alrededor otras se reclinan o se arrodillan, perdidas en un ensueño privado. El título, que significa “Día del Dios”, sugiere ritual, pero el estado de ánimo de la pintura es ambiguo: ¿están de luto, celebrando o simplemente descansando? Los colores vivos y las formas aplanadas evocan la admiración de Gauguin por las impresiones japonesas, mientras que la disposición rítmica de las figuras recuerda los paneles decorativos de Puvis de Chavannes.

A diferencia de las representaciones académicas de lo exótico, la Tahití de Gauguin es tanto un sueño como un documento, llena de simbolismo inventado y observación real. La historia temprana precisa de Mahana Maà (II) está menos documentada que algunas de las otras obras de Gauguin, pero se sabe que muchas de sus pinturas tahitianas lucharon por encontrar compradores en su vida. Mientras que la primera versión pronto ingresó a una colección pública, esta segunda permaneció en manos privadas durante décadas, pasando por varios comerciantes parisinos antes de entrar en un museo europeo. Hoy, se erige como un testimonio de la búsqueda inquieta de Gauguin por el significado en los Mares del Sur, pintada durante un período en el que estaba tanto aislado como creativamente desatado.

El lugar de la pintura en su carrera marca un punto de inflexión, ya que abandonó el naturalismo en favor del color audaz y la narrativa mítica, un camino que influiría en generaciones de artistas modernos.