Lorsque Paul Gauguin a peint Mahana Maà (II) en 1892, il était profondément immergé dans sa première période tahitienne, une époque marquée à la fois par la fascination et la frustration face aux réalités de l'île. Ce qui rend cette œuvre particulièrement remarquable, c'est qu'elle est l'une des deux versions : la première, maintenant au Art Institute de Chicago, et cette seconde, qui retravaille la composition avec des différences subtiles mais significatives. Gauguin lui-même a écrit à son ami Daniel de Monfreid au sujet de ses peintures tahitiennes, les décrivant comme "un retour à ce qui est primitif", une phrase qui définirait et hanterait son héritage.

L'existence de plusieurs versions révèle comment l'artiste a lutté avec sa vision du paradis, jamais tout à fait satisfait d'une seule image. La scène se déroule à la fin de la journée, alors qu'un groupe de femmes tahitiennes se rassemble sur l'herbe, leurs corps disposés en une bande semblable à un frise à travers la toile. Au centre, une femme est assise droite, sa posture formelle, tandis qu'autour d'elle d'autres se reclinent ou s'agenouillent, perdues dans une rêverie privée. Le titre, qui signifie "Jour du Dieu", suggère un rituel, mais l'ambiance de la peinture est ambiguë : sont-elles en deuil, en train de célébrer ou simplement en train de se reposer ? Les couleurs vives et les formes aplaties rappellent l'admiration de Gauguin pour les estampes japonaises, tandis que l'agencement rythmique des figures fait écho aux panneaux décoratifs de Puvis de Chavannes.

Contrairement aux représentations académiques de l'exotique, la Tahiti de Gauguin est à la fois un rêve et un document, remplie de symbolisme inventé et d'observation réelle. L'histoire précoce précise de Mahana Maà (II) est moins bien documentée que certaines des autres œuvres de Gauguin, mais il est connu que beaucoup de ses peintures tahitiennes ont eu du mal à trouver des acheteurs de son vivant. Alors que la première version est rapidement entrée dans une collection publique, cette seconde est restée entre des mains privées pendant des décennies, passant par plusieurs marchands parisiens avant d'entrer dans un musée européen. Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de la recherche incessante de Gauguin de sens dans les mers du Sud, peinte pendant une période où il était à la fois isolé et créativement libéré.

La place de la peinture dans sa carrière marque un tournant, alors qu'il abandonne le naturalisme au profit de couleurs audacieuses et de récits mythiques - un chemin qui influencerait des générations d'artistes modernes.