Nicht weniger als fünf Versionen von Die Beschneidung Christi von Peter Paul Rubens sind bekannt, ein Beweis sowohl für die Popularität dieses Themas im Antwerpen des frühen 17. Jahrhunderts als auch für Rubens' unruhige Experimentierfreude. Die früheste Erwähnung des Gemäldes stammt aus dem Jahr 1605, als Rubens noch in Italien war und die Lehren der Meister der Renaissance aufnahm.

Es wird angenommen, dass Rubens dieses Werk für einen privaten Mäzen malte, möglicherweise als Altarbild für eine Kapelle, die der Heiligen Familie gewidmet war, obwohl der ursprüngliche Auftrag ungewiss bleibt. Die Verbreitung von Kopien und Varianten—einige aus Rubens' eigener Hand, andere aus seiner Werkstatt—hat Wissenschaftler seit langem fasziniert, die über die Primärität und Urheberschaft jeder einzelnen debattieren. Rubens wählt den Moment, in dem das neugeborene Christkind, in Weiß gewickelt, im Tempel zur Beschneidung präsentiert wird, wie im Evangelium des Lukas beschrieben. Der Hohepriester, prächtig gekleidet, beugt sich mit dem rituellen Messer nach vorne, seine Geste ist sowohl feierlich als auch sanft.

Marias Gesicht ist zärtlich, aber ängstlich, ihre Hände sind im Gebet gefaltet, während Joseph schützend an ihrer Seite steht. Das goldene Licht des Tempels taucht die Szene in ein warmes Licht und lenkt den Blick des Betrachters auf das Kind in der Mitte—ein kompositorisches Mittel, das Rubens möglicherweise von Tizian entlehnt hat, dessen venezianische Altargemälde er bewunderte. Die überfüllte Komposition, mit ihren ausdrucksvollen Gesichtern und dynamischen Draperien, steht im Kontrast zu den zurückhaltenderen Behandlungen des Themas durch frühere nordische Künstler und betont sowohl die Menschlichkeit als auch das opferbereite Schicksal Christi. Die genaue Provenienz dieser Version ist unklar, da im Laufe der Jahrhunderte mehrere ähnliche Gemälde durch europäische Sammlungen zirkuliert sind.

Einige wurden Rubens selbst zugeschrieben, andere seinen talentierten Assistenten, wie Anthony van Dyck. Heute befindet sich eine der am weitesten anerkannten Versionen in der Sammlung des Museo del Prado, wo sie als frühes Beispiel für Rubens' Synthese aus italienischer Farbe und nordischem Detail studiert wird. Dieses Gemälde markiert einen entscheidenden Moment in Rubens' Karriere, als er von dem Einfluss Italiens zurück nach Antwerpen wechselte und eine neue Größe und Theatralik mitbrachte, die das Barock in Flandern prägen würde.