Cuando Francisco de Goya pintó Cazador en una fuente en 1786, trabajaba bajo el patrocinio de la corte real española, produciendo cartones para tapices para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. Estos cartones, diseños a tamaño real para tapices, estaban destinados a los palacios de El Escorial y El Pardo, con la intención de llevar escenas de la vida cotidiana española a las cámaras reales. Lo que hace que esta obra sea particularmente fascinante es cómo Goya, aún al principio de su carrera, empujó sutilmente los límites del gusto cortesano al infundir escenas rurales humildes con un drama silencioso y una profundidad psicológica que más tarde definirían su estilo maduro. En esta pintura, un cazador solitario se detiene en una fuente de piedra, con su mosquete apoyado contra la pila mientras se inclina para beber o quizás reflexionar.

El momento es de quietud, sin embargo, Goya lo llena de tensión narrativa: la postura alerta del cazador, el destello de la luz del sol sobre el agua y el perro atento cercano sugieren que la pausa es breve, un respiro en medio de la cacería. La vestimenta simple del cazador y el paisaje áspero anclan la escena en el campo español, lejos de la formalidad de la corte. A diferencia de las grandes cacerías mitológicas de Peter Paul Rubens, el cazador de Goya es un hombre común, su mundo es tranquilo y real, sus preocupaciones son inmediatas y humanas. El cartón original para Cazador en una fuente formaba parte de una serie que celebraba las actividades rurales, encargada por el futuro Carlos IV.

Aunque la ubicación actual del tapiz terminado es incierta, el cartón en sí ha sobrevivido y ahora se encuentra en el Museo del Prado. Esta obra representa un punto de inflexión en la carrera de Goya, marcando su transición de encargos decorativos a obras más personales y profundas que más tarde lo harían famoso. Sigue siendo un testimonio de su capacidad para encontrar dignidad y drama en lo ordinario, y para transformar escenas de la vida diaria en arte perdurable.