En 1661, Rembrandt pintó Retrato de Margaretha de Geer a solicitud de una de las familias de comerciantes más prominentes de Ámsterdam, los de Geer. La retratada, Margaretha, era la esposa del influyente industrial Louis de Geer, cuya fortuna familiar se construyó sobre el comercio y la munición. Lo que distingue a este retrato es su notable sinceridad: en una época en la que las mujeres de su estatus eran generalmente idealizadas, Margaretha aparece como ella misma: envejecida, digna y sin concesiones en su mirada.

El realismo crudo de la pintura causó comentarios incluso en la propia época de Rembrandt, cuando un visitante de su estudio comentó sobre la "verdad de sus años". Esta obra se erige como uno de los últimos grandes encargos que Rembrandt recibió antes de su muerte en 1669. Margaretha se sienta ligeramente girada hacia la izquierda, con las manos tranquilamente plegadas en su regazo, su mirada directa se encuentra con la del espectador con una autoridad silenciosa. Su sobria vestimenta negra, bordeada de encaje blanco, y la pesada cadena de oro alrededor de su cuello indican tanto su riqueza como su piedad, en consonancia con los valores protestantes holandeses.

La luz cae suavemente desde la izquierda, iluminando su rostro surcado y las intrincadas texturas de su ropa, mientras que el fondo se desvanece en la sombra. A diferencia de los retratos más halagadores de mujeres aristocráticas de Anthony van Dyck, el enfoque de Rembrandt es honesto, incluso simpático, enfatizando la individualidad de la retratada sobre su estatus social. El efecto es íntimo: Margaretha parece tanto presente como reflexiva, su experiencia de vida escrita claramente en sus rasgos. El camino exacto de Retrato de Margaretha de Geer después de su creación no está completamente documentado, pero permaneció en manos privadas durante siglos antes de entrar en una colección pública.

La pintura se encuentra ahora en la National Gallery de Londres, donde es celebrada como uno de los mejores ejemplos del retrato tardío de Rembrandt. Su paleta contenida y su profundidad psicológica marcan un alejamiento de los encargos anteriores del artista, más opulentos, reflejando las dificultades personales y financieras de los últimos años de Rembrandt. Hoy, el retrato se erige como un testimonio de su interés perdurable en el alma humana y de la individualidad de una mujer cuyo nombre de otro modo podría haber desaparecido en la historia.