En 1661, Rembrandt a peint Portrait de Margaretha de Geer à la demande de l'une des familles de marchands les plus en vue d'Amsterdam, les de Geer. La modèle, Margaretha, était l'épouse de l'influent industriel Louis de Geer, dont la fortune familiale était bâtie sur le commerce et les munitions. Ce qui distingue ce portrait est sa remarquable franchise : à une époque où les femmes de son statut étaient généralement idéalisées, Margaretha apparaît telle qu'elle est—vieillie, digne et sans concession dans son regard.

Le réalisme brut de la peinture a suscité des commentaires même à l'époque de Rembrandt, lorsqu'un visiteur de son atelier aurait fait remarquer la "vérité de ses années". Cette œuvre se dresse comme l'une des dernières grandes commandes que Rembrandt reçut avant sa mort en 1669. Margaretha est assise légèrement tournée vers la gauche, les mains calmement posées sur ses genoux, son regard direct rencontrant celui du spectateur avec une autorité silencieuse. Sa sobre robe noire, bordée de dentelle blanche, et la lourde chaîne en or autour de son cou signalent à la fois sa richesse et sa piété, en accord avec les valeurs protestantes néerlandaises.

La lumière tombe doucement sur la gauche, illuminant son visage ridé et les textures complexes de ses vêtements, tandis que l'arrière-plan s'estompe dans l'ombre. Contrairement aux portraits plus flatteurs des femmes aristocratiques de Anthony van Dyck, l'approche de Rembrandt est honnête, voire sympathique, mettant l'accent sur l'individualité de la modèle plutôt que sur son statut social. L'effet est intime : Margaretha semble à la fois présente et réfléchie, son expérience de vie écrite clairement sur ses traits. Le parcours exact de Portrait de Margaretha de Geer après sa création n'est pas entièrement documenté, mais il est resté entre des mains privées pendant des siècles avant d'entrer dans une collection publique.

La peinture est maintenant conservée à la National Gallery de Londres, où elle est célébrée comme l'un des meilleurs exemples du portrait tardif de Rembrandt. Sa palette sobre et sa profondeur psychologique marquent un départ par rapport aux commandes antérieures de l'artiste, plus opulentes, reflétant les difficultés personnelles et financières des dernières années de Rembrandt. Aujourd'hui, le portrait se dresse comme un témoignage de son intérêt durable pour l'âme humaine et pour l'individualité d'une femme dont le nom aurait autrement pu s'effacer dans l'histoire.