Cuando Francisco de Zurbarán pintó Santa Margarita de Antioquía en 1630, ya era celebrado en Sevilla por su extraordinaria habilidad para hacer que los santos aparecieran a la vez terrenales y milagrosos. Lo que distingue esta obra es cómo Zurbarán, en medio de la Contrarreforma española, eligió representar a una joven cuya leyenda era tan popular que su nombre era invocado por mujeres en trabajo de parto en toda Europa. La pintura pertenece a una serie de santas que Zurbarán creó para conventos, y su serena dignidad ayudó a definir el lenguaje visual de la santidad española a principios del siglo XVII.

Aunque la comisión exacta no está documentada, obras como esta a menudo estaban destinadas a inspirar devoción en monjas enclaustradas. El momento que Zurbarán selecciona es uno de calma después de la prueba: Santa Margarita se presenta serena, su mirada firme, con la mano descansando sobre el dragón que, según la leyenda, había intentado devorarla. El dragón, un símbolo del mal y de la persecución pagana, yace sometido a sus pies, mientras que la inquebrantable compostura de Margarita y la rama de palma que sostiene la marcan como una mártir victoriosa a través de la fe. Los pliegues nítidos de su vestido y la quietud luminosa de su rostro son típicos del estilo de Zurbarán, que contrasta con la energía más dramática y turbulenta que se observa en los tratamientos de Peter Paul Rubens de las santas.

Aquí, la clara tranquilidad de la luz y el realismo táctil de los objetos—la cadena de Margarita, las escamas del dragón—invitan a la contemplación en lugar del espectáculo. Los orígenes precisos y el viaje temprano de Santa Margarita de Antioquía no se conocen completamente, pero es característico de la producción de Zurbarán para instituciones religiosas en Andalucía durante la década de 1630. Pinturas de este tipo eran muy valoradas por los conventos, donde servían como modelos de virtud y firmeza. A lo largo de los siglos, muchos de los santos de Zurbarán fueron dispersados, pasando a menudo por colecciones privadas antes de entrar en museos públicos.

Hoy en día, esta pintura se erige como un testimonio de la visión única de Zurbarán dentro del movimiento Barroco, uniendo lo místico y lo tangible al servicio de la fe.