Lorsque Francisco de Zurbarán a peint Sainte Marguerite d'Antioche en 1630, il était déjà célébré à Séville pour sa capacité incroyable à faire apparaître les saints à la fois terrestres et miraculeux. Ce qui distingue cette œuvre, c'est la façon dont Zurbarán, au cœur de la Contre-Réforme espagnole, a choisi de représenter une jeune femme dont la légende était si populaire que son nom était invoqué par des femmes en couches à travers l'Europe. La peinture fait partie d'une série de saintes que Zurbarán a créées pour des couvents, et sa dignité sereine a contribué à définir le langage visuel de la sainteté espagnole au début du XVIIe siècle.

Bien que la commande exacte ne soit pas documentée, des œuvres comme celle-ci étaient souvent destinées à inspirer la dévotion chez les religieuses cloîtrées. Le moment choisi par Zurbarán est celui du calme après l'épreuve : Sainte Marguerite se tient posée, son regard fixe, sa main reposant sur le dragon qui, selon la légende, avait tenté de la dévorer. Le dragon, symbole du mal et de la persécution païenne, gît soumis à ses pieds, tandis que la tranquillité inébranlable de Marguerite et la branche de palmier qu'elle tient la désignent comme une martyre victorieuse par la foi. Les plis nets de sa robe et le calme lumineux de son visage sont typiques du style de Zurbarán, qui contraste avec l'énergie plus dramatique et tourbillonnante que l'on retrouve dans les traitements des saintes par Peter Paul Rubens.

Ici, la clarté tranquille de la lumière et le réalisme tactile des objets—la chaîne de Marguerite, les écailles du dragon—invient à la contemplation plutôt qu'au spectacle. Les origines précises et le parcours précoce de Sainte Marguerite d'Antioche ne sont pas entièrement connus, mais il est caractéristique de la production de Zurbarán pour les institutions religieuses en Andalousie durant les années 1630. Les peintures de ce type étaient très prisées par les couvents, où elles servaient de modèles de vertu et de fermeté. Au fil des siècles, de nombreux saints de Zurbarán ont été dispersés, passant souvent par des collections privées avant d'entrer dans des musées publics.

Aujourd'hui, cette peinture se dresse comme un témoignage de la vision unique de Zurbarán au sein du mouvement Baroque, reliant le mystique et le tangible au service de la foi.