La decisión de Anthony van Dyck de pintarse a sí mismo como París, el príncipe pastor de Troya, se erige como uno de los actos más personales y enigmáticos de auto-representación en el arte del temprano siglo XVII. A diferencia de la mayoría de los autorretratos de la época, que presentan al artista en su estudio o trabajando, Van Dyck como París fusiona el propio parecido del pintor con una figura de la mitología clásica, difuminando las líneas entre creador y sujeto. La fecha exacta de la pintura y su encargo siguen siendo inciertos, y su propia existencia ha suscitado debate: algunos académicos la ven como un ejercicio juvenil, otros como un comentario sofisticado sobre las ambiciones e identidad del artista. El momento que eligió Van Dyck es el instante fatídico antes de que París deba otorgar la manzana dorada a la diosa más hermosa, una decisión que, según la leyenda, desencadenará la Guerra de Troya.

Vestido con atuendo de pastor, Van Dyck mira hacia afuera, con la mano en alto sosteniendo la manzana, invitando al espectador a ser testigo tanto de la carga como del atractivo de la elección. La cadena alrededor de su cuello y las ricas telas sugieren tanto la sangre real de París como las propias aspiraciones de Van Dyck más allá del estudio. La mirada directa, casi desafiante, recuerda a los retratos mitológicos de Tiziano, sin embargo, la versión de Van Dyck es más íntima, el mito sirviendo como un espejo para la auto-reflexión del artista. El viaje de la pintura es tan sombrío como sus orígenes.

No hay un registro definitivo que la vincule a un patrocinador o colección específica en la vida de Van Dyck, y su atribución ha sido cuestionada ocasionalmente debido al inusual tema y estilo. Hoy en día, la obra es reconocida como un raro ejemplo del compromiso del artista tanto con el autorretrato como con la alegoría, ofreciendo una visión de las ambiciones de un joven pintor en ascenso en la era del Barroco. Ya sea pintada en Amberes o durante sus viajes en Italia, Van Dyck como París sigue siendo un testimonio de la fascinación del artista por el mito y la identidad, y un recordatorio de cómo los pintores de su generación podían reclamar un lugar dentro de las historias que representaban.