La décision d'Anthony van Dyck de se peindre comme Pâris, le prince berger de Troie, se présente comme l'un des actes les plus personnels et énigmatiques de mise en scène de soi dans l'art du début du XVIIe siècle. Contrairement à la plupart des autoportraits de l'époque, qui montrent l'artiste dans son atelier ou au travail, Van Dyck en Pâris fusionne la propre ressemblance du peintre avec une figure de la mythologie classique, brouillant les frontières entre créateur et sujet. La date exacte de la peinture et sa commande demeurent incertaines, et son existence même a suscité des débats : certains chercheurs la considèrent comme un exercice de jeunesse, d'autres comme un commentaire sophistiqué sur les ambitions et l'identité de l'artiste. Le moment choisi par Van Dyck est l'instant fatidique avant que Pâris ne doive attribuer la pomme d'or à la plus belle des déesses — une décision qui, selon la légende, déclenchera la guerre de Troie.

Drapé dans des vêtements de berger, Van Dyck regarde vers l'extérieur, sa main levée avec la pomme, invitant le spectateur à être témoin à la fois du poids et de l'attrait du choix. La chaîne autour de son cou et les riches tissus évoquent à la fois le sang royal de Pâris et les propres aspirations de Van Dyck au-delà de l'atelier. Le regard direct, presque provocateur, rappelle les portraits mythologiques de Titien, mais la version de Van Dyck est plus intime, le mythe servant de miroir à la réflexion personnelle de l'artiste. Le parcours de la peinture est aussi obscur que ses origines.

Aucun enregistrement définitif ne la lie à un mécène ou à une collection spécifique de son vivant, et son attribution a parfois été remise en question en raison de son sujet et de son style inhabituels. Aujourd'hui, l'œuvre est reconnue comme un exemple rare de l'engagement de l'artiste à la fois avec l'autoportrait et l'allégorie, offrant un aperçu des ambitions d'un jeune peintre en pleine ascension à l'époque du Baroque. Qu'elle ait été peinte à Anvers ou lors de ses voyages en Italie, Van Dyck en Pâris reste un témoignage de la fascination de l'artiste pour le mythe et l'identité, et un rappel de la manière dont les peintres de sa génération pouvaient revendiquer une place au sein des histoires qu'ils représentaient.