Au début des années 1420, le jeune moine-peintre Fra Angelico travaillait dans le couvent dominicain de San Domenico à Fiesole, où il créa une série de petites images dévotionnelles pour la prière privée. Parmi celles-ci, Dieu le Père se distingue par sa rareté : les représentations directes de Dieu le Père étaient inhabituelles dans l'Italie du début de la Renaissance, les artistes représentant plus souvent le Christ ou le Saint-Esprit. L'origine de la peinture est encore débattue, mais elle pourrait avoir fait partie d'une prédelle — une rangée de petits panneaux narratifs sous un grand retable — maintenant dispersée.

Sa survie offre un rare aperçu des pratiques dévotionnelles et de l'imagination visuelle de la vie monastique au début du XVe siècle. Fra Angelico a choisi un moment d'autorité sereine : Dieu le Père, vêtu de couleurs éclatantes, lève sa main droite en bénédiction tout en tenant un globe dans sa main gauche — un symbole de son règne sur la création. L'arrière-plan doré, un héritage de la peinture d'icônes médiévales, baigne la figure dans une lumière surnaturelle, tandis que les lignes délicates de la barbe et le modelé doux du visage suggèrent à la fois sagesse et compassion. Le geste de bénédiction, avec deux doigts étendus, fait écho aux icônes byzantines et signale la faveur divine.

Comparé aux figures de Dieu plus distantes et en trône peintes par des contemporains comme Masaccio dans La Trinité, le Dieu de Fra Angelico est intime, accessible et imprégné d'une dignité silencieuse. Le parcours exact de Dieu le Père après sa création n'est pas clair, comme c'est souvent le cas avec les peintures sur panneau du début du XVe siècle. Il a probablement été conservé dans un cadre religieux pendant des siècles, apprécié pour son pouvoir dévotionnel, avant d'entrer sur le marché de l'art alors que les collections monastiques étaient dispersées au XIXe siècle. Aujourd'hui, il est reconnu comme un exemple important du style précoce de Fra Angelico, marqué par une transition des idéaux gothiques aux idéaux de la Renaissance.

Son traitement délicat de la lumière et de la forme préfigure les fresques ultérieures de l'artiste à San Marco à Florence, où sa réputation de "peintre angélique" a été fermement établie. L'échelle modeste de la peinture et son caractère intime nous rappellent la dévotion privée qui a façonné une grande partie de l'art du début de la Renaissance.