Dans les dernières années de sa vie, Pierre-Auguste Renoir était confiné dans un fauteuil roulant à cause d'une grave arthrite rhumatoïde, mais il continuait à peindre chaque jour, adaptant ses pinceaux à ses mains handicapées. Portrait de modèle en buste, peint en 1916, témoigne de cette extraordinaire persévérance. L'œuvre fait partie d'une série de portraits tardifs où Renoir revient à l'étude intime du visage humain, un sujet qui l'avait préoccupé depuis sa jeunesse mais désormais rendu avec une nouvelle douceur et chaleur.

Cette période, marquée par les turbulences de la Première Guerre mondiale, a vu Renoir se retirer dans la sérénité de son atelier à Cagnes-sur-Mer, cherchant du réconfort dans l'acte de peindre. L'identité de la modèle reste inconnue, mais son regard doux et ses épaules détendues invitent le spectateur à un moment de contemplation tranquille. Le coup de pinceau de Renoir, plus lâche et lumineux que dans ses portraits précédents, caresse les contours de son visage et de son cou, dissolvant les bords dans l'air environnant. La palette est imprégnée de pêche, de rose et d'or, baignant le modèle dans une lumière douce qui semble émaner de l'intérieur.

Contrairement à l'intensité psychologique que l'on trouve dans les portraits de Edgar Degas, l'approche de Renoir ici est celle d'une observation affectueuse, mettant l'accent sur la présence de la modèle plutôt que sur sa vie intérieure. L'absence de costume ou de décor élaboré concentre toute l'attention sur l'immédiateté vivante du modèle lui-même. La provenance exacte de Portrait de modèle en buste n'est pas entièrement documentée, une situation courante pour les œuvres tardives de Renoir, dont beaucoup ont été vendues directement de son atelier ou par l'intermédiaire de marchands parisiens. Le médium de la peinture est incertain — probablement de l'huile sur toile, comme c'était typique pour Renoir à ce stade — mais sa manipulation délicate suggère l'expérimentation continue de l'artiste avec la surface et la texture.

Aujourd'hui, le portrait est apprécié comme un exemple poignant du style tardif de Renoir, caractérisé par un retour à la simplicité et une célébration de la beauté quotidienne. Il se dresse comme une affirmation silencieuse mais persistante de la vie et de l'art face à l'adversité, un thème qui résonne tout au long du chapitre final de la carrière de Renoir.