Lorsque L'Ange debout au soleil a été exposé pour la première fois à la Royal Academy en 1846, les critiques étaient perplexes face à son énergie sauvage et à son tourbillon de couleurs presque abstrait. Certains ont même remis en question si J.M.W. Turner avait perdu son talent dans ses dernières années, car la peinture semblait exploser les conventions du paysage et de la narration biblique.

John Ruskin, le grand défenseur de Turner, a eu du mal à en saisir le sens, la qualifiant de "l'œuvre la plus redoutable et, à bien des égards, la plus grandiose qu'il ait jamais produite". La peinture se dresse comme l'une des dernières et des plus radicales déclarations de la carrière de Turner, une vision qui semblait anticiper les impressionnistes des décennies avant leur époque. La scène est tirée du Livre de l'Apocalypse : l'ange vengeur, épée levée, ordonne la destruction des méchants à la fin des temps. Turner choisit l'instant où l'ange, couronné de lumière éclatante, domine le centre de la toile, dispersant les figures d'Adam et Ève, de Caïn et Abel, et des idolâtres en dessous.

Les ailes enflammées de l'ange et le ciel en fusion dissolvent les frontières entre la figure et le paysage, comme si le jugement divin avait embrasé les éléments mêmes. Contrairement aux compositions claires et ordonnées des peintures apocalyptiques de John Martin, la vision de Turner est chaos et lumière, avec l'épée et le soleil fusionnant en une seule force écrasante. Aucune commande formelle n'est connue pour cette œuvre ; elle a plutôt été peinte pour l'exposition et comme une synthèse personnelle de la fascination de Turner pour la lumière, la nature et le drame biblique tout au long de sa vie. La peinture est restée dans l'atelier de Turner jusqu'à sa mort en 1851, après quoi elle est entrée dans le legs Turner et est devenue une partie de la collection nationale à Tate Britain, où elle est accrochée aujourd'hui.

Les chercheurs ont longtemps débattu de son sens et de sa place dans le style tardif de l'artiste, la voyant à la fois comme une culmination et un point de rupture. Sa technique audacieuse et ses formes ambiguës continuent de susciter des discussions, la marquant comme une référence pour l'évolution de l'art moderne.