En 1598, El Greco a peint La Crucifixion à l'apogée de ses années à Tolède, une période où il était très recherché par les églises et monastères locaux pour ses interprétations visionnaires de thèmes sacrés. Cette composition particulière se distingue parmi les nombreuses crucifixions peintes dans l'Espagne de la fin du XVIe siècle par sa verticalité saisissante et l'élongation éthérée du corps du Christ, qui deviendrait une caractéristique emblématique du style mature de El Greco. Contrairement aux scènes chargées prisées par ses contemporains, El Greco isole le Christ contre un fond orageux, presque abstrait, concentrant l'attention du spectateur uniquement sur le drame entre le ciel et la terre.

Les origines de la peinture restent quelque peu mystérieuses, car la commande originale n'est pas documentée, mais on pense largement qu'elle a été créée pour une chapelle privée ou un cadre monastique à Tolède. Au moment où El Greco choisit de figer, le Christ pend suspendu à la croix, la tête inclinée, le corps tordu dans un dernier geste d'acceptation. Le ciel derrière lui tourbillonne avec des nuages sombres, percé par des faisceaux de lumière surnaturelle qui illuminent la figure pâle et allongée. Au pied de la croix, un crâne et des os rappellent au spectateur le Golgotha, le "lieu du crâne", et par extension, la mortalité et la rédemption.

Contrairement aux Christs musclés et terrestres de Titien ou au pathos encombré de Rubens, El Greco élimine le détail narratif, ne laissant que quelques endeuillés et un sentiment d'isolement spirituel. L'utilisation dramatique de la couleur—bleus glacés, blancs éclatants et éclats de rouge—sert à intensifier l'intensité émotionnelle et à diriger le regard vers le haut, suggérant un pont entre la souffrance et le salut. L'histoire physique de La Crucifixion est moins bien documentée que celle de certaines des grandes œuvres d'autel de El Greco. Bien que sa provenance précoce soit incertaine, la peinture a longtemps été associée à la période tardive de l'artiste, lorsqu'il expérimentait avec des formes et des couleurs de plus en plus audacieuses.

Aujourd'hui, elle est reconnue comme un exemple quintessential de la vision unique de El Greco, mêlant tradition byzantine et liberté expressive du mouvement maniériste. La peinture est maintenant exposée au Museo del Prado, où elle se dresse comme un témoignage de la capacité de l'artiste à transformer un sujet biblique familier en une méditation profondément personnelle sur la foi et la souffrance.