Lorsque Peter Paul Rubens a peint La Mort d'Achille vers 1630, il était à l'apogée de sa renommée, et l'histoire qu'il a choisie est l'une des plus dramatiques de la mythologie ancienne. Le récit de la mort d'Achille était un favori parmi les mécènes européens, mais la version de Rubens se distingue par sa pure théâtralité et son accent sur le moment de la trahison, une approche qui la différencie des représentations antérieures, plus contenues. Achille, invincible sauf au niveau de son talon, a été abattu non pas dans une bataille ouverte mais par un archer caché, Pâris, sous la direction d'Apollon.

Ce thème de la vulnérabilité au milieu de l'héroïsme a profondément résonné à l'époque de la Guerre de Trente Ans, lorsque le destin et la trahison semblaient poursuivre même les plus grands. Rubens capture l'instant où Achille réalise qu'il est mortellement blessé : son corps se tord dans l'angoisse, la flèche logée dans son talon, tandis que le chaos de la bataille fait rage autour de lui. Le coup de pinceau ample du peintre et son audacieux usage de la couleur intensifient la sensation de mouvement : l'armure brillante d'Achille contraste avec le ciel assombri, et les visages horrifiés de ses camarades attirent le spectateur dans le drame. Pâris, à peine visible dans l'ombre, vise derrière une colonne, incarnant à la fois la lâcheté et le destin.

Contrairement à La Mort d'Achille de Francesco Primaticcio, où la chute du héros est plus statique et cérémonielle, la version de Rubens est entièrement axée sur le choc et la violence du coup fatal. Les circonstances exactes de la commande de cette peinture demeurent incertaines, bien que Rubens ait souvent peint de grandes toiles mythologiques pour des clients royaux et aristocratiques à travers l'Europe. Comme beaucoup de ses œuvres, La Mort d'Achille était probablement destinée à un grand intérieur, peut-être dans le cadre d'un cycle de scènes de la Guerre de Troie. Au fil des siècles, elle a traversé plusieurs collections notables, survivant à des périodes de négligence et de redécouverte, et aujourd'hui, elle est reconnue comme un exemple majeur de la peinture narrative du Baroque.

La composition énergique de l'œuvre et son intensité émotionnelle en font un produit de la période mature de Rubens, lorsqu'il était célébré pour avoir donné vie de manière vivante à des histoires anciennes.