Aucun autre sujet n'a autant fasciné Anthony van Dyck que Marie Madeleine ; il l'a peinte encore et encore, dans des humeurs et des déguisements variés, tout au long de sa carrière. Le nombre de peintures de Madeleine qui lui sont attribuées est remarquable, et chaque version semble explorer un aspect différent de sa légende : pénitente, visionnaire ou pardonnée. Cet intérêt durable reflète à la fois le climat spirituel intense du Baroque et la piété personnelle des mécènes de van Dyck, qui appréciaient la Madeleine comme un symbole de repentance et d'espoir. Dans cette version, La Madeleine est saisie dans un moment de dévotion privée.

Elle regarde vers le haut, ses yeux brillants de larmes, les mains jointes ou pressées contre sa poitrine, comme si elle était prise entre la tristesse et le désir. Le crâne à ses côtés est un memento mori, un rappel de la mortalité, tandis que le livre ouvert et la simple draperie témoignent de son renoncement aux plaisirs mondains. La touche douce et lumineuse de van Dyck sur la chair et le tissu lui confère une vulnérabilité humaine, contrastant avec les Magdalènes plus théâtrales de son maître, Peter Paul Rubens.

Ici, le drame est intérieur, la lumière tombant doucement sur son visage comme si elle illuminait une transformation intérieure. Les origines précises de cette peinture sont incertaines ; ni la date ni le mécène original ne sont connus avec certitude, et elle a passé par diverses mains au fil des siècles. De telles images de Madeleine étaient très recherchées dans l'Europe catholique pendant la Contre-Réforme, et les versions de van Dyck ont été copiées par des suiveurs et des admirateurs. Aujourd'hui, cette Madeleine se dresse comme un témoignage de la capacité de van Dyck à mêler intensité spirituelle et réalisme psychologique, et elle reste un point culminant de son œuvre religieuse, invitant les spectateurs à contempler à la fois l'histoire et l'âme de l'un des saints les plus énigmatiques du christianisme.