Ningún otro tema fascinó tanto a Anthony van Dyck como María Magdalena; la pintó una y otra vez, en diferentes estados de ánimo y disfraces, a lo largo de su carrera. El número de pinturas de Magdalena atribuidas a él es notable, y cada versión parece explorar un aspecto diferente de su leyenda: penitente, visionaria o perdonada. Este interés perdurable refleja tanto el intenso clima espiritual del Barroco como la piedad personal de los mecenas de van Dyck, quienes valoraban a la Magdalena como un símbolo de arrepentimiento y esperanza. En esta versión, La Magdalena es capturada en un momento de devoción privada.

Mira hacia arriba, sus ojos brillan con lágrimas, las manos entrelazadas o presionadas contra su pecho, como si estuviera atrapada entre la tristeza y el anhelo. El cráneo a su lado es un memento mori, un recordatorio de la mortalidad, mientras que el libro abierto y la simple drapería hablan de su renuncia a los placeres mundanos. El suave y luminoso tratamiento de la carne y la tela por parte de van Dyck le otorga una vulnerabilidad humana, contrastando con las Magdalenas más teatrales de su maestro, Peter Paul Rubens.

Aquí, el drama es interno, la luz cae suavemente sobre su rostro como si iluminara una transformación interior. Los orígenes precisos de esta pintura son inciertos; ni la fecha ni el mecenas original se conocen con seguridad, y ha pasado por diversas manos a lo largo de los siglos. Tales imágenes de Magdalena eran muy buscadas en la Europa católica durante la Contrarreforma, y las versiones de van Dyck fueron copiadas tanto por seguidores como por admiradores. Hoy en día, esta Magdalena se erige como un testimonio de la capacidad de van Dyck para combinar la intensidad espiritual con el realismo psicológico, y sigue siendo un punto culminante de su obra religiosa, invitando a los espectadores a contemplar tanto la historia como el alma de uno de los santos más enigmáticos del cristianismo.