Peu d'histoires de saints ont inspiré autant d'artistes que celle de Lucie de Syracuse, mais Le Martyre de Sainte Lucie de Peter Paul Rubens se distingue par son intensité dramatique et la rapidité avec laquelle il a été peint : Rubens a achevé l'œuvre en seulement quelques semaines en 1620, durant une période fiévreuse de commandes pour des églises dans le sud de l'Italie. La peinture était à l'origine destinée au grand autel de l'Église de Santa Lucia à Syracuse, une ville qui revendiquait Lucie comme sienne. On dit que le clergé, en découvrant l'œuvre, a été si ému par sa force émotionnelle qu'il a pleuré ouvertement dans la nef. Rubens capture le moment déchirant où Lucie, condamnée pour sa foi chrétienne durant la persécution dioclétionienne, est sur le point d'être exécutée.

La sainte est à genoux, son visage calme illuminé contre le tumulte ombragé des soldats et des spectateurs, tandis qu'un poignard est prêt à toucher sa gorge — un détail qui annonce son martyr imminent. Le rouge de son manteau fait allusion au sacrifice, tandis que son regard tourné vers le haut et ses mains jointes expriment à la fois résignation et triomphe spirituel. Contrairement au traitement cru et presque judiciaire du martyr de Caravage, Rubens baigne la scène dans une lumière dorée qui semble promettre la rédemption, même lorsque la violence se profile. Le parcours physique de la peinture est moins bien documenté que son impact émotionnel.

Après son installation à Syracuse, Le Martyre de Sainte Lucie a survécu à des tremblements de terre, des pillages et des périodes de négligence, bien que son emplacement exact pendant les invasions napoléoniennes reste incertain. Au XIXe siècle, elle a été fermement attribuée à Rubens, bien que certains inventaires antérieurs l'aient listée comme une œuvre de son atelier. Aujourd'hui, elle est reconnue comme un exemple clé de la peinture religieuse baroque, capturant à la fois la théâtralité et la profonde humanité qui définissent le style mature de Rubens.