Quando il giovane François Boucher presentò La morte di Meleagro al concorso del Prix de Rome del 1727, aveva solo 24 anni ed era affamato di riconoscimento. Questo concorso annuale, aspramente conteso dai pittori più ambiziosi di Francia, era la porta d'ingresso per la prestigiosa Accademia Francese a Roma. L'interpretazione drammatica di Boucher sulla morte dell'eroe mitologico era abbastanza audace da fargli vincere il primo premio, avviando una carriera che avrebbe poi definito il movimento Rococò.

Il dipinto sopravvive come un testimone di un momento cruciale nella vita di Boucher, quando la tradizione accademica e l'ambizione giovanile si scontrarono sulla tela. Al centro della storia c'è Meleagro, il campione di Calidonia, che giace morente dopo una tragica svolta del destino. Boucher sceglie l'istante in cui la madre di Meleagro, Altea, consumata dal dolore e dalla colpa, ha appena gettato la torcia fatale nel fuoco—un atto che condanna suo figlio. Il corpo dell'eroe, pallido e muscoloso, è disteso in primo piano, mentre figure angosciate si affollano attorno a lui: Atalanta, la cacciatrice che amava, gli stringe la mano, il suo dolore riflesso nelle forme contorte e nei gesti urgenti dei lutti.

L'occhio di Boucher per il dramma è chiaro nei drappeggi vorticosi e nei forti contrasti di luce e ombra, che guidano lo spettatore dalla forma senza vita di Meleagro al ceppo in fiamme—un simbolo del suo destino. A differenza della maestosa riservatezza di Poussin nelle sue stesse scene mitologiche, l'approccio di Boucher è emotivo, immediato e teatrale. Il medium originale di La morte di Meleagro non è documentato in modo fermo, anche se è probabile che fosse olio su tela, lo standard per le presentazioni accademiche dell'epoca. Dopo aver vinto il Prix de Rome, Boucher partì per l'Italia, e quest'opera precoce rimase in Francia, il suo luogo di conservazione cambiando con le maree delle collezioni private e del mercato dell'arte.

Oggi è riconosciuta come un raro esempio sopravvissuto dello stile formativo di Boucher, prima dei colori pastello e degli stati d'animo più leggeri delle sue successive opere maestre del Rococò. Il dipinto offre uno sguardo sull'artista a un bivio—ancora radicato nelle tradizioni accademiche del primo XVIII secolo, ma già accennando alla sensualità e al movimento che avrebbero presto reso famoso il suo nome.