Quando Joseph Mallord William Turner svelò Giulietta e la sua Nutrice alla Royal Academy nel 1836, i critici rimasero sorpresi dalla sua audace rottura con i paesaggi familiari che avevano fatto il suo nome. Invece di un mare tempestoso o di un tramonto splendente, qui c'era una visione febbrile del dramma shakespeariano, resa con un'esplosione di colori e luce che lasciò alcuni spettatori disorientati. La ricezione del dipinto fu fortemente divisa; John Ruskin, il successivo sostenitore di Turner, lo definì "una delle opere più grandiose del periodo tardo del pittore", mentre altri lo liquidarono come caotico.

Questa fu una delle poche grandi tematiche letterarie che Turner tentò, e rimane un esperimento singolare nella sua opera. La scena scelta da Turner è un momento privato e ansioso di Romeo e Giulietta, mentre Giulietta si trova con la sua nutrice nel giardino dei Capuleti, in attesa di notizie da Romeo. Turner colloca la coppia su un balcone, immerso in una foschia dorata, le loro figure si dissolvono quasi nell'architettura e nel fogliame vorticoso. Il vestito bianco di Giulietta brilla contro l'ombra della nutrice, la sua postura tesa per l'anticipazione, mentre il gesto della nutrice—una mano alzata come per rassicurare o zittire—parla del segreto e del pericolo della loro missione.

I colori vivaci del giardino e i contorni sfocati rispecchiano il tumulto emotivo di Giulietta, un forte contrasto con la chiarezza teatrale e precisa di trattamenti precedenti come La scena del balcone di Ford Madox Brown. L'approccio di Turner è meno incentrato sulla chiarezza narrativa e più sul battito febbrile di speranza e paura. Il patrono originale di Giulietta e la sua Nutrice non è documentato con certezza, ma fu esposto alla Royal Academy e rimase con Turner fino alla sua morte nel 1851. Successivamente entrò in collezioni private prima di trovare una casa permanente alla Tate Britain, dove è riconosciuto come un'opera fondamentale del periodo tardo di Turner.

L'uso sperimentale di colore e forma nella pittura prefigura gli impressionisti, e la sua atmosfera ambigua e onirica continua a affascinare studiosi. Sebbene il mezzo esatto rimanga incerto—probabilmente olio su tela, anche se Turner era noto per mescolare tecniche—il dipinto si erge come un testimone della sua incessante innovazione e della sua volontà di sfidare sia se stesso che il suo pubblico.