Quando Edgar Degas svelò Tänzerinnen intorno al 1890, era già conosciuto per la sua incessante fascinazione per il mondo dietro le tende di velluto dell'Opéra di Parigi. Ciò che rende quest'opera particolarmente intrigante è che appartiene a un periodo tardivo in cui Degas, afflitto da problemi di vista, iniziò a sperimentare nuovi materiali e tecniche, sfumando spesso la linea tra disegno, pittura e pastello. Il mezzo esatto di Tänzerinnen rimane incerto, aggiungendo al suo mistero e invitando a un'analisi ravvicinata da parte di conservatori e spettatori. Qui, Degas cattura un momento fugace nella sala prove: un gruppo di giovani ballerine, i loro corpi colti nel mezzo della pratica, gonne che girano, braccia in posizione, volti concentrati.

L'artista sceglie non lo spettacolo della performance, ma il lavoro e la concentrazione della preparazione. I tutù sparsi, le posture casuali e la composizione ritagliata parlano dell'occhio moderno di Degas: osserva il balletto come si potrebbe intravedere attraverso una porta socchiusa. La disposizione decentrata e il senso di movimento richiamano l'influenza delle stampe giapponesi, mentre l'attenzione all'impegno quotidiano distingue Degas dai contemporanei come Pierre-Auguste Renoir, che spesso idealizzava i suoi soggetti. La precisa storia iniziale di Tänzerinnen è difficile da tracciare, poiché Degas spesso vendeva o regalava le sue opere direttamente a amici e collezionisti, e spesso le rielaborava nel corso degli anni.

Oggi, il dipinto è riconosciuto come parte della celebre serie di balletto dell'artista, che ha consolidato la sua reputazione di cronista della vita moderna parigina. La sua attuale collocazione è in una importante collezione europea, dove continua a affascinare gli spettatori con il suo mix di intimità e innovazione. Tänzerinnen si erge come un testimone dell'inquieta sperimentazione di Degas nei suoi ultimi anni, così come della sua profonda empatia per la disciplina e i sogni delle ballerine che ha così spesso ritratto.