Nel 1620, Peter Paul Rubens dipinse La sepoltura di Santo Stefano in un momento in cui Anversa riaffermava la sua identità cattolica dopo decenni di conflitti religiosi. Il soggetto dell'opera—la sepoltura del primo martire del cristianesimo—risuonava profondamente con lo spirito controriformista della città. Rubens, già celebrato per la sua capacità di fondere dramma con devozione, era molto richiesto da mecenati religiosi desiderosi di ispirare fede attraverso l'arte.

Il dipinto è uno dei diversi trattamenti del martirio di Santo Stefano da parte di Rubens, ma questa composizione si distingue per il suo focus sulle conseguenze piuttosto che sulla violenza della lapidazione stessa. Rubens cattura il momento solenne in cui il corpo spezzato di Stefano viene deposto dai suoi seguaci, il suo volto sereno nonostante le pietre che ancora coprono il terreno. Il gioco di luci cade dolcemente sulla figura di Stefano, vestita di bianco, attirando lo sguardo sulla sua espressione pacifica e sul sangue che segna la sua fronte—un segno del suo sacrificio. I gesti dei lutti sono carichi di dolore e rispetto: un uomo afferra la spalla di Stefano, un altro stabilizza i suoi piedi, mentre una donna asciuga le sue lacrime.

Sullo sfondo, il contorno sfocato di Gerusalemme colloca la scena nella Terra Santa. A differenza di La sepoltura di Santa Lucia di Caravaggio, che è cruda e violenta, Rubens sceglie di enfatizzare la compassione e la speranza della resurrezione, utilizzando colori caldi e una composizione dinamica per guidare lo sguardo dello spettatore. La storia precisa dei primi anni di La sepoltura di Santo Stefano non è completamente documentata, ma probabilmente è nata come un altare per una chiesa o un'istituzione religiosa nei Paesi Bassi spagnoli, riflettendo la domanda dell'epoca per immagini potenti di fede. Nel corso dei secoli, il dipinto è passato attraverso collezioni private e potrebbe aver subito alcune ridipinture e restauri, come era comune con le grandi tele barocche.

Oggi è riconosciuto come un esempio significativo dell'opera religiosa matura di Rubens, dimostrando la sua capacità di mescolare il dramma italianeggiante con il dettaglio nordico. La casa attuale del dipinto consente agli spettatori di apprezzare sia il suo potere narrativo che il suo posto all'interno del fiorire dell'arte cattolica nella Flandra del primo XVII secolo.