1883년 오필리아가 알렉상드르 카바넬에 의해 처음으로 전시되었을 때, 평론가들은 그것의 학문적 정밀성과 감정적 강도의 독특한 조화에 주목했습니다. 이러한 접근 방식은 셰익스피어의 비극적 여주인공에 대한 보다 감상적인 표현과는 차별화되었습니다. 19세기 후반 프랑스의 아카데미즘 운동의 주요 인물인 카바넬은 이미 신화적이고 문학적인 장면으로 유명했지만, 여기서는 유럽 전역의 예술가들을 매료시킨 주제인 햄릿 속 오필리아의 죽음으로 눈을 돌렸습니다.

존 에버렛 밀레의 이전 작품인 오필리아 (1851-52)가 영국에서 상징적인 작품이 된 반면, 카바넬의 해석은 프랑스 대중에게 풍부하면서도 불안한 버전을 제공하여 한 평론가는 익사하는 소녀의 '무서운 아름다움'을 언급하기도 했습니다. 카바넬은 오필리아가 물에 빠지는 순간을 포착했습니다. 그녀의 몸은 반쯤 물속에 잠겨 있고, 시선은 관객 너머의 어딘가에 고정되어 있습니다. 그녀 주위에 떠다니는 꽃들—양귀비, 데이지, 제비꽃—은 단순한 장식이 아니라 햄릿의 미친 장면에서 가져온 상징입니다: 양귀비는 죽음을, 데이지는 순수함을, 제비꽃은 잃어버린 충성을 나타냅니다.

그녀의 창백한 피부 위로 떨어지는 은빛 빛은 그녀의 초자연적인 존재감을 강조하며, 얽힌 갈대와 어두운 물은 자연이 그녀의 운명에 무관심하다는 것을 암시합니다. 밀레가 생기 넘치는 영국의 시냇물에 떠 있는 오필리아를 그린 것과는 달리, 카바넬의 구성은 더 친밀하며, 풍경은 뒤로 물러나 인물 자체의 심리적 드라마에 집중합니다. 카바넬의 오필리아의 정확한 출처는 불분명합니다. 그의 후기 작품들처럼, 이 작품은 아마도 샤론 데뷔 직후 개인 수집가에 의해 구매되었고, 이후 여러 손을 거쳤을 것입니다.

오늘날 이 그림은 프랑스 학문적 전통과 셰익스피어 주제의 중요한 예로 인정받고 있지만, 카바넬의 신화적 캔버스만큼 자주 전시되지는 않습니다. 이는 19세기 예술에서 오필리아의 이야기와 카바넬이 그의 저명한 경력 말미에 기술적 능력과 문학적 상상력을 결합하는 능력에 대한 지속적인 매력을 증명하는 증거로 남아 있습니다.