Quando Francisco de Zurbarán pintou José em 1645, estava se aproximando do fim de um período prolífico em Sevilha, onde sua reputação por figuras religiosas serenas e monumentais estava em seu auge. O que distingue esta obra é que ela faz parte de uma rara série dedicada à vida de José, encomendada para o mosteiro cartuxo de Santa María de las Cuevas. Ao contrário de muitos de seus outros trabalhos, que se concentravam em mártires e santos cristãos, este ciclo explorou narrativas do Antigo Testamento com uma intensa quietude psicológica, refletindo o renovado interesse da Contra-Reforma em exemplos bíblicos de virtude. No momento que Zurbarán escolheu para representar, José está à beira do destino: não mais o irmão desprezado vendido como escravo, mas ainda não o poderoso visir do Egito.

O pintor captura José em uma pose contemplativa, com o olhar elevado, as mãos unidas, envolto em uma túnica de cor luminosa que o destaca do fundo sombrio. A corrente em seu pescoço e a vestimenta ricamente decorada sugerem sua ascensão da catividade, enquanto a luz suave em seu rosto sugere o favor divino. Ao contrário das cenas dramáticas e lotadas de Rembrandt ou da turbulência emocional nos José de Guido Reni, o José de Zurbarán é solitário e sereno, incorporando paciência e fé na adversidade. A trajetória precisa de José após sua criação não está totalmente documentada, mas sabe-se que a série permaneceu no mosteiro cartuxo até as convulsões do século XIX.

Muitas obras do ciclo foram dispersas durante as invasões napoleônicas e a posterior secularização, com algumas agora residindo em museus e coleções privadas pela Europa e Américas. Hoje, José se ergue como um testemunho da capacidade de Zurbarán de mesclar contenção narrativa com gravidade espiritual, marcando um ponto alto em seu estilo maduro e oferecendo aos espectadores uma janela para a vida devocional da Sevilha do Século de Ouro.