Quando Francisco de Zurbarán dipinse Giuseppe nel 1645, si avvicinava alla fine di un periodo prolifico a Siviglia, dove la sua reputazione per figure religiose serene e monumentali era al culmine. Ciò che distingue quest'opera è che fa parte di una rara serie dedicata alla vita di Giuseppe, commissionata per il monastero certosino di Santa María de las Cuevas. A differenza di molti dei suoi altri incarichi, che si concentravano su martiri e santi cristiani, questo ciclo esplorava le narrazioni dell'Antico Testamento con una quieta intensità psicologica, riflettendo il rinnovato interesse della Controriforma per gli esempi biblici di virtù. Nel momento che Zurbarán scelse di rappresentare, Giuseppe si trova sulla soglia del destino: non più il fratello disprezzato venduto come schiavo, ma non ancora il potente visir d'Egitto.

Il pittore cattura Giuseppe in una posa contemplativa, con lo sguardo rivolto in alto, le mani unite, avvolto in un manto di colore luminoso che lo distingue dallo sfondo ombreggiato. La catena al collo e il vestito riccamente decorato suggeriscono la sua ascesa dalla cattività, mentre la luce tenue sul suo volto suggerisce il favore divino. A differenza delle scene drammatiche e affollate di Rembrandt o del tumulto emotivo nei Giuseppe di Guido Reni, il Giuseppe di Zurbarán è solitario e immobile, incarnando pazienza e fede nell'avversità. Il percorso preciso di Giuseppe dopo la sua creazione non è completamente documentato, ma si sa che la serie rimase nel monastero certosino fino ai tumulti del XIX secolo.

Molte opere del ciclo furono disperse durante le invasioni napoleoniche e la successiva secolarizzazione, con alcune ora ospitate in musei e collezioni private in tutta Europa e nelle Americhe. Oggi, Giuseppe si erge come un testimone della capacità di Zurbarán di mescolare contenimento narrativo con gravità spirituale, segnando un punto culminante nel suo stile maturo e offrendo agli spettatori una finestra sulla vita devozionale della Siviglia del Secolo d'Oro.